Abstract in Portuguese:

RESUMO O artigo pretende analisar a extensa colaboração do escritório estadunidense Ralph Appelbaum Associates para a criação de ambientes expositivos no Brasil, com destaque para o Museu da Língua Portuguesa, tendo como base a mobilização dos conceitos de museu narrativo, exposição- show e design integrador. O estudo será articulado em dois momentos: análise dos projetos de RAA tomados como referências para sua implantação no Brasil – Museu do Holocausto e Newseum – e investigação das principais intervenções de Appelbaum no Brasil, buscando refletir sobre o contexto de formação do espaço expositivo contemporâneo mediado pelas tecnologias da comunicação.

Abstract in Spanish:

RESUMEN El artículo tiene como objetivo analizar la extensa colaboración de la oficina estadounidense Ralph Appelbaum Associates en la creación de ambientes expositivos en Brasil, destacando el Museu da Língua Portuguesa, basándose en la movilización de los conceptos de museo narrativo, exposición-espectáculo y diseño integrador. El estudio se articulará en dos momentos: análisis de los proyectos de RAA tomados como referencia para su implementación en Brasil, como el Museo del Holocausto y el Newseum, e investigación de las principales intervenciones de Appelbaum en Brasil, buscando reflexionar sobre el contexto de formación del espacio expositivo contemporáneo mediado por las tecnologías de la comunicación.

Abstract in English:

ABSTRACT This article aims to analyze the extensive collaboration of the North American firm Ralph Appelbaum Associates to the creation of environmental exhibitions in Brazil, especially to the Portuguese Language Museum. Based on the concepts of narrative museum, exhibition-show and integrative design, the study will be articulated in two moments: analyses of the RAA projects taken as references for their implementation in the Brazilian context (Holocaust Museum and Newseum); and study of the main interventions of Appelbaum in Brazil, in order to reflect on context of creation of contemporary exhibition spaces mediated by communication technologies.

Abstract in Portuguese:

RESUMO Este artigo visa a demonstrar como a cultura indígena há muito tempo passa ao largo do pensamento visual brasileiro e avalia as possibilidades de se pensar sua história a partir de artistas indígenas. Apresenta revisão teórica e documental acerca das formas como a História da Arte e o pensamento visual desenvolvido no Brasil tratam a produção estético-artística dos povos originários. Propõe a possibilidade de se revisar a história da arte, incorporando o pensamento de artistas indígenas, haja vista a necessidade de uma virada epistemológica na História da Arte para dar conta das diferenças existentes no Brasil e na América Latina.

Abstract in Spanish:

RESUMEN Este artículo tiene como objetivo demostrar cómo la cultura indígena ha sido passada por alto durante mucho tiempo en el pensamiento visual brasileño y evalúa las possibilidades de pensar su historia a partir de artistas indígenas. Presenta una revisión teórica y documental sobre cómo la Historia del Arte y el pensamiento visual desarrollado en Brasil abordan la producción estético-artística de los pueblos originarios. Propone la posibilidad de revisar la historia del arte, incorporando el pensamiento de artistas indígenas, dada la necesidad de un cambio epistemológico em la Historia del Arte para dar cuenta de las diferencias existentes en Brasil y América Latina.

Abstract in English:

ABSTRACT This article demonstrate how indigenous culture has long been absent from Brazilian visual thinking and evaluates the possibilities of thinking about its history from indigenous artists point of view. It presents a theoretical and documentary review of the ways in which art history and visual thinking developed in Brazil deal with the artistic aesthetic production of the indigenous peoples. It proposes the possibility of revising the history of art, incorporating the thought of indigenous artists, given the need for an epistemological turn in the History of Art to account for the differences that exist in Brazil and Latin America.

Abstract in Portuguese:

RESUMO Partindo de um amplo entendimento da sombra como conceito espacial, o presente ensaio propõe uma revisão bibliográfica sobre as representações de sombra na história da pintura ocidental tradicional, tanto em suas dimensões técnicas quanto simbólicas. Por meio de imagens pontuais, o texto comenta este tema, limitando-se a um recorte temporal, desde os mitos fundadores da pintura na Idade Antiga até o século XVI. O embate teórico confronta uma ideia preestabelecida de que as representações de sombra anteriores ao Cinquecento ocorreram apenas de maneira intuitiva. Com isso, busca-se demonstrar que, apesar das limitações técnicas da pintura medieval, as sombras já eram utilizadas como elementos articuladores de significado ao oferecer testemunho e representação de alguma corporeidade.

Abstract in Spanish:

RESUMEN A partir de una comprensión amplia de la sombra como concepto espacial, este ensayo propone una revisión bibliográfica sobre las representaciones de la sombra en la historia de la pintura tradicional occidental, tanto en su dimensión técnica como simbólica. A través de imágenes específicas, el texto comenta la temática, limitándose a un marco temporal, desde los mitos fundacionales de la pintura en la Edad Antigua hasta el siglo XVI. El choque teórico confronta una idea preestablecida de que las representaciones de sombras anteriores al Cinquecento ocurrían sólo de manera intuitiva. Con ello buscamos demostrar que, a pesar de las limitaciones técnicas de la pintura medieval, las sombras ya eran utilizadas como elementos articuladores de significado al ofrecer testimonio y representación de alguna corporalidad.

Abstract in English:

ABSTRACT Starting from a broad understanding of the shadow as a spatial concept, this essay proposes a bibliographic review on the representations of shadow in the history of traditional Western painting, both in its technical and symbolic dimensions. Through specific images, the text comments on this theme, limiting itself to a time frame, since the founding myths of painting in the Ancient Age until the 16th century. The theoretical clash confronts a pre-established idea that the shadow representations prior to the Cinquecento happened only in an intuitive way. Thereby, it seeks to demonstrate, despite the technical limitations of medieval painting, that shadows were already used as articulating elements of meaning when offering testimony and representation of some corporeality.

Abstract in Portuguese:

RESUMO O trabalho de Jonathas de Andrade explora ecos do passado colonialista, em especial na população e nos imaginários nordestinos, bem como a herança cultural do projeto modernista que marcou a arquitetura e o urbanismo brasileiros na segunda metade do século XX. As suas obras criam um curto-circuito de enunciados e temporalidades, engendram um imbricamento entre o corpo da imagem e a imagem dos corpos, colocando em operação a cartografia das cidades e o mapeamento das subjetividades. Neste artigo apresentamos um breve panorama das obras do artista nos detendo em: Amor e Felicidade no Casamento (2007), Educação para Adultos (2010), 4000 disparos (2010), Tombamento (2013), ABC da cana (2014), O caseiro (2016) e O Peixe (2016). Nos valemos de um aporte teórico de Rancière, Foster, Bosi, entre outros.

Abstract in Spanish:

RESUMEN El trabajo de Jonathas de Andrade explora los ecos del pasado colonialista, especialmente en la población y los imaginarios del nordeste de Brasil, así como la herencia cultural del proyecto modernista que marcó la arquitectura y el urbanismo brasileños en la segunda mitad del siglo XX. Sus obras crean un cortocircuito de enunciados y de temporalidades, engendran una imbricación entre el cuerpo de la imagen y la imagen de los cuerpos, poniendo en funcionamiento la cartografía de las ciudades y el mapeo de las subjetividades. En este artículo presentamos un breve panorama de las obras del artista, deteniéndose en: Amor e Felicidade no Casamento (2007), Educação para Adultos (2010), 4000 disparos (2010), Tombamento (2013), ABC da cana (2014), O caseiro (2016) y O Peixe (2016). Para eso, se vale del aporte teórico de Rancière, Foster, Bosi, entre otros.

Abstract in English:

ABSTRACT Jonathas de Andrade’s work explores echoes of the colonialist past, especially in Brazil’s Northeastern population and imaginary, as well as the cultural heritage of the modernist project that marked Brazilian architecture and urbanism in the second half of the 20th century. His oeuvres create a short circuit of utterances and temporalities, generating an overlap between the body of the image and the image of the bodies, putting into operation the cartography of cities and the mapping of subjectivities. In this article we provide a brief overview of the artist trajectory, concentrating on the following selected works: Amor e Felicidade no Casamento (2007), Educação para Adultos (2010), 4000 disparos (2010), Tombamento (2013), ABC da cana (2014), O caseiro (2016) and O Peixe (2016). We will use a theoretical contribution from writers such as Rancière, Foster, Bosi, among others.

Abstract in Portuguese:

RESUMO O artigo investiga o contexto de emergência das obras apresentadas no evento 9 Evenings: Theatre and Engineering, realizado em Nova York em outubro de 1966, analisando tanto o ambiente cultural nova-iorquino, quanto o processo de colaboração entre artistas e engenheiros que resultou na exposição. Em relação a este último, o trabalho sublinha o papel decisivo dos diagramas desenvolvidos por Herb Schneider para a interlocução produtiva entre os participantes do evento, considerado uma das mais longas e bem sucedidas colaborações criativas entre artistas e cientistas de que se tem notícia.

Abstract in Spanish:

RESUMEN El artículo investiga el contexto de emergencia de las obras presentadas en el evento 9 Evenings: Theatre and Engineering, realizado en Nueva York en octubre de 1966, analizando tanto el ambiente cultural nueva yorquino, como el proceso de colaboración entre artistas e ingenieros que resultó en la exposición. En relación a este último, el trabajo subraya el papel decisivo de los diagramas desarrollados por Herb Schneider para la interlocución productiva entre los participantes del evento, considerado una de las colaboraciones creativas más largas y exitosas entre artistas y científicos de que se tiene noticia.

Abstract in English:

ABSTRACT The article investigates the context of emergence of the artworks presented at the 9 Evenings: Theatre and Engineering, held in New York in October 1966, analyzing both the New York cultural environment and the process of collaboration between artists and engineers that resulted in the exhibition. In relation to the latter, the work underlines the decisive role of the diagrams developed by Herb Schneider for the productive dialogue between the participants of the event, considered one of the longest and most successful creative collaborations between artists and scientists to date.

Abstract in Portuguese:

RESUMO Este artigo apresenta uma introdução ao pensamento de Georges Didi-Huberman, no que se refere à sua leitura do conceito de “sintoma”, de “figurabilidade” e de outros aspectos da psicanálise freudiana, como chave de interpretação crítica às noções de representação, semelhança e imitação, bem como ao método iconológico de matriz panofskiana. O artigo demonstra como esses conceitos são operados pelo autor, colocando em questão o dispositivo mimético e reivindicando uma abertura no regime de visibilidade da pintura que dê lugar à sua figuralidade. Ao evocar a ideia de uma “imagem-sintoma”, Didi-Huberman propõe uma ruptura com os esquematismos da crítica e da historiografia da arte.

Abstract in Spanish:

RESUMEN Este artículo presenta una introducción al pensamiento de Georges Didi-Huberman, en lo que respecta a su lectura del concepto de “síntoma”, “figurabilidad” y otros aspectos del psicoanálisis freudiano, como clave de interpretación crítica a las nociones de representación, similitud e imitación, así como al método iconológico de Panofsky. El artículo demuestra cómo estos conceptos son operados por el autor, cuestionando el dispositivo mimético y reivindicando una apertura en el régimen de visibilidad de la pintura que dé lugar a su figurabilidad. Al evocar la idea de una “imagen-síntoma”, Didi-Huberman propone una ruptura con los esquematismos de la crítica y de la historiografía del arte.

Abstract in English:

ABSTRACT This article presents an introduction to Georges Didi-Huberman’s thought, focusing on his interpretation of the concept of “symptom”, “figurability”, and other aspects of Freudian psychoanalysis, as a critical interpretation of notions of representation, resemblance and imitation, as well as of the Panofsky’s iconological method. The article demonstrates how these concepts are operated by the author, questioning the mimetic device and claiming an opening in the regime of painting’s that gives way to its figurability. By evoking the idea of an “image-symptom”, Didi-Huberman proposes a rupture with the schematisms of art criticism and historiography.

Abstract in Portuguese:

RESUMO Este ensaio tem como foco obras criadas por meio da reprodução e apropriação de imagens disponíveis na interface do Google Street View. Reflexo da crescente proliferação de imagens produzidas por câmeras automatizadas, independentemente da percepção e cognição humana, estas obras provocam uma reconsideração do ato fotográfico, do papel do artista como comentador e curador de imagens, a sublimação da autoria, e a ontologia da imagem fotográfica. O fato de tais obras de arte serem criadas através da extração de imagens da interface do Google Street View pode ser interpretado como uma implicação de sua redundância visual. Este artigo defende, pelo contrário, que as obras fotográficas em questão implicam técnicas criativas e modos de apropriação estética específicos.

Abstract in Spanish:

RESUMEN Este ensayo tiene como foco obras creadas mediante la reproducción y apropiación de imágenes disponibles en la interfaz del Google Street View. Reflejo de la creciente proliferación de imágenes producidas por cámaras automatizadas, independientemente de la percepción y cognición humana, estas obras provocan una reconsideración del acto fotográfico, del papel del artista como comentador y curador de imágenes, la sublimación de la autoría, y la ontología de la imagen fotográfica. El hecho de que tales obras de arte sean creadas a través de la extracción de imágenes de la interfaz del Google Street View puede ser interpretado como una implicación de su redundancia visual. Este artículo defiende, por el contrario, que las obras fotográficas en cuestión implican técnicas creativas y modos de apropiación estética específicos.

Abstract in English:

ABSTRACT This essay focuses on artworks created through the reproduction and appropriation of images available in the interface of Google Street View. As a reflection of the growing proliferation of images produced by automated cameras, independently of human perception and cognition, these artworks provoke a reconsideration of the photographic act, the role of the artist as a commentator on and curator of images, the sublimation of authorship thus entailed, and the ontology of the photographic image. The fact that such artworks are created by extracting images from the Google Street View interface could be perceived as indicative of certain visual redundancies. This article argues, on the contrary, that the photographic works in question are different from each other insofar as they entail specific creative techniques, modes of aesthetic appropriation, and critical approaches.

Abstract in Portuguese:

RESUMO Qual o impacto do conceitualismo no que se entende por autoria na arte contemporânea? O que ocorre quando, no âmbito dos processos de criação, nos defrontamos com obras cujos indícios materiais simplesmente independem – ou podem independer – do corpo do artista? Executada 32 anos após a morte de seu autor, a obra Floating island , de Robert Smithson, é aqui analisada como um caso-exemplar dessas questões. Por hipótese, percebe-se que há em propostas como essa um entendimento renovado do que seja ou possa ser um “artista”. No centro do argumento estão os conceitos de “função-autor”, de Michel Foucault, e “função-artista”, de Caroline Jones. Ao final, conclui-se que o vigor histórico do conceitualismo demonstra a coexistência de dois modelos autorais da função-artista.

Abstract in Spanish:

RESUMEN ¿Cuál es el impacto del conceptualismo en nuestra comprensión de la autoría en el arte contemporáneo? ¿Qué sucede cuando nos enfrentamos a obras cuyas huellas materiales simplemente no dependen, o pueden no depender, del cuerpo del artista? Ejecutada 32 años después de la muerte de su autor, la obra Floating island de Robert Smithson se analiza aquí como un ejemplo de estas cuestiones. Como hipótesis, se percibe que propuestas como esta implican una comprensión renovada de lo que es o puede ser un “artista”. En el centro del argumento se encuentran los conceptos de “función-autor”, de Michel Foucault, y “función-artista”, de Caroline Jones. En conclusión, se evidencia que la importancia histórica del conceptualismo demuestra la coexistencia de dos modelos de autoría de la función-artista.

Abstract in English:

ABSTRACT What is the influence of conceptualism on our understanding of authorship in contemporary art? In the realm of creative processes, what happens when we encounter artworks whose material traces simply do not depend on the artist’s body? Executed 32 years after the author’s death, Robert Smithson’s artwork Floating island is analyzed here as an example of these questions. By hypothesis, it is perceived that proposals like this entail a renewed understanding of what an “artist” is or can be. At the core of the argument are Michel Foucault’s concept of “author-function” and Caroline Jones’s concept of “artist-function”. In conclusion, it is evident that the historical significance of conceptualism demonstrates the coexistence of two authorial models of the artist-function.

Abstract in Portuguese:

RESUMO Em tempos de crise social e política, evidenciadas pela pandemia de COVID-19, as demandas e expressões de uma sociedade brasileira fragilizada tomam força: nos últimos dois anos, novos direitos para pessoas não-binárias foram historicamente conquistados. A presença de novos artistas não-bináries na arte contemporânea brasileira também se fez sincrônica em espaços artísticos, como durante a 34º Edição da Bienal de São Paulo em 2022, inicialmente adiada pela pandemia, onde artistas como a não-binária Jota Mombaça participara com a obra Spell to become invisible . Assim, como estamos nos fazendo visíveis em cenários ameaçadores à democracia e aos direitos das minorias no Brasil em anos pandêmicos? Reflexões acerca do tema são neste artigo trazidas por meio da análise de diferentes obras da artista Jota Mombaça entrelaçadas a um breve panorama das crises de Estado e das problemáticas da ilegibilidade existencial não-binária contrapostas pelos direitos alcançados por nossa sigla no Brasil, entre 2020 e 2022.

Abstract in Francês:

RESUME En période de crise sociale et politique mise en évidence par la pandémie de COVID-19, les revendications et les expressions d’une société brésilienne fragile se renforcent : au cours des deux dernières années, de nouveaux droits pour les personnes non binaires ont été historiquement conquis. La présence de nouveaux artistes non binaires dans l’art contemporain brésilien a également été rendue synchrone dans des espaces artistiques comme lors de la 34º édition de la Biennale de São Paulo en 2022, initialement reportée par la pandémie, où des artistes comme le non-binaire Jota Mombaça a participé à l’œuvre Spell to become invisible . Alors, comment nous rendons-nous visibles dans des scénarios qui menacent la démocratie et les droits des minorités au Brésil en ces années de pandémie ? Des réflexions sur le sujet sont apportées dans cet article à travers l’analyse de différentes œuvres de l’artiste Jota Mombaça mêlées à un bref aperçu des crises de l’État et des problèmes d’illisibilité existentielle non-binaire opposés par les droits acquis de notre sigle au Brésil, entre 2020 et 2022.

Abstract in English:

ABSTRACT In times of social and political crisis evidenced by the COVID-19 pandemic, the demands and expressions of a fragile Brazilian society gain strength: in the last two years, new rights for non-binary people have been historically conquered. The presence of new non-binary artists in Brazilian contemporary art was also made synchronous in artistic spaces such as during the 34th Edition of the Bienal de São Paulo in 2022, initially postponed by the pandemic, where artists such as the non-binary Jota Mombaça participated with the work Spell to become invisible . Therefore, how are we making ourselves visible in scenarios that threaten democracy and minority rights in Brazil in pandemic years? Reflections on the subject are brought in this article through the analysis of different works by the artist Jota Mombaça intertwined with a brief overview of the State crises and the problems of non-binary existential illegibility opposed by the achieved rights of our acronym in Brazil, between 2020 and 2022.

Abstract in Portuguese:

RESUMO Neste artigo, analisamos como na obra do artista japonês Takato Yamamoto os espaços e os corpos são colapsados, ao se mesclarem e ao dissolverem os limites uns dos outros. Para isso, nos valemos do “informe”, verbete formulado por Georges Bataille, e do “rizoma”, conceito criado por Gilles Deleuze e Félix Guattari, para entendermos de que maneira o erótico, o grotesco e o nonsense são articulados a partir da heterogeneidade como desordens surgidas do entrelaçamento do interior e do exterior. Investigamos, assim, imagens dos livros de Takato Yamamoto, com o intuito de perceber como a abertura dos corpos interage com o espaço, criando indeterminações e ao mesmo tempo labirintos de materialidades expostas.

Abstract in Spanish:

RESUMEN En este artículo, analizamos cómo en la obra del artista japonés Takato Yamamoto los espacios y los cuerpos se colapsan, al mezclarse y disolver los límites entre sí. Para ello, recurrimos al “informe”, término formulado por Georges Bataille, y al “rizoma”, concepto creado por Gilles Deleuze y Félix Guattari, para entender de qué manera lo erótico, lo grotesco y lo absurdo se articulan a partir de la heterogeneidad como desórdenes surgidos del entrelazamiento del interior y el exterior. Investigamos, así, imágenes de los libros de Takato Yamamoto, con el propósito de percibir cómo la apertura de los cuerpos interactúa con el espacio, creando indeterminaciones y al mismo tiempo laberintos de materialidades expuestas.

Abstract in English:

ABSTRACT In this article, we analyze how spaces and bodies intertwine and dissolve each other’s boundaries in the works of the Japanese artist Takato Yamamoto. To achieve this, we employ the “formless”, concept coined by Georges Bataille, and “rhizome”, a concept developed by Gilles Deleuze and Félix Guattari. These terms and concepts help us comprehend the articulation of the erotic, the grotesque, and the nonsense as they emerge from heterogeneity, resulting in disruptions caused by the interplay between the interior and the exterior. Our investigation delves into the imagery found within Takato Yamamoto’s books, with the aim of discerning how the unfolding of bodies interacts with space, giving rise to both indeterminacies and intricate labyrinths of exposed materialities.

Abstract in Portuguese:

RESUMO Os ensaios visuais têm ganhado cada vez mais espaço em revistas acadêmicas e até mesmo em revistas comerciais. Este ensaio procura trazer um pouco do contexto histórico dos ensaios visuais no campo das publicações de artista, com destaque para as revistas brasileiras publicadas a partir dos anos 1970. As reflexões sobre o ensaio visual foram realizadas ao analisar alguns exemplos selecionados e podem auxiliar no estabelecimento de critérios para a avaliação dos ensaios visuais, de modo que um dia sejam reconhecidos como produção intelectual com o mesmo peso de um artigo acadêmico.

Abstract in Spanish:

RESUMEN Los ensayos visuales han ganado cada vez más espacio en revistas académicas e incluso en revistas comerciales. Este ensayo busca traer un poco del contexto histórico de los ensayos visuales en el campo de las publicaciones de artistas, con énfasis en las revistas brasileñas publicadas a partir de la década de 1970. Las reflexiones sobre el ensayo visual se llevaron a cabo analizando algunos ejemplos seleccionados y pueden ayudar a establecer criterios para evaluar los ensayos visuales, para que algún día sean reconocidos como una producción intelectual con el mismo peso que un artículo académico.

Abstract in English:

ABSTRACT Visual essays have been gaining more and more space in academic journals and even in commercial magazines. This essay seeks to bring some of the historical context of visual essays in the field of artist publications, with emphasis on Brazilian magazines published from the 1970s onwards. Some selected samples were used to reflect on the visual essay as structure. This analysis can help in establishing a criteria for evaluating visual essays, so that one day they are recognized as intellectual production worth the same as an academic article.

Abstract in Portuguese:

RESUMO A partir da experiência concreta de mais de três décadas em cursos de Artes Visuais na Universidade Pública de São Paulo, discute-se a posição do artista e da arte no espaço acadêmico, e a adequação dos critérios instituídos para este conhecimento. A ideia de intervenção artística na Academia acompanhou todo o processo de Concurso para Professor Titular.

Abstract in Spanish:

RESUMEN Después de tres décadas de experiencia concreta de docencia en clases de Artes Visuales en la Universidad pública de São Paulo, se discute la posición del artista y del arte en el espacio académico, así como la adecuación de los criterios institucionales para ese conocimiento. La idea de intervención artística en la Academia acompañó todo el proceso de examen para Profesor Titular.

Abstract in English:

ABSTRACT After three decades of concrete teaching experience in Visual Arts classes at the public University of São Paulo, the position of the artist and of art in the academic space is discussed, as well as the appropriacy of the institutional criteria for this knowledge. The idea of artistic intervention at the Academia has accompanied the entire process of the exam for Professor Titular.

Abstract in Portuguese:

RESUMO Por entre transparências de banalidades do cotidiano, um estímulo sonoro fez com que Cildo Meireles concebesse Através . Neste artigo, analisamos a presença do sonoro na instalação do artista brasileiro, buscando articular história, teoria e crítica da arte, enquanto, como autora, ocupamos o lugar do sujeito perceptivo para uma abordagem fenomenológica. Recorremos à topologia como chave para investigar a relação entre visualidade e sonoro na instalação a partir de imagens sonoras, visuais e táteis. Destacamos a transparência e o ruído, as possibilidades de escuta e a caminhada em Através fundamentada no sonoro. Dentre outras fontes primárias, a pesquisa recorre a entrevistas realizadas pela autora com Cildo Meireles entre 2020 e 2022.

Abstract in Spanish:

RESUMEN A través de las transparencias de las banalidades cotidianas, un estímulo sonoro llevó a Cildo Meireles a concebir Através [A través]. En este artículo, analizamos la presencia del sonido en la instalación del artista brasileño, buscando articular la historia del arte, la teoría y la crítica, mientras que, como autor, tomamos el lugar del sujeto perceptor para un abordaje fenomenológico. Utilizamos la topología como clave para investigar la relación entre visualidad y sonido en la instalación basada en imágenes sonoras, visuales y táctiles. Hacemos hincapié en la transparencia y el ruido, en las posibilidades de escucha y en el recorrido a través del sonido. Entre otras fuentes primarias, la investigación se basa en entrevistas realizadas por el autor a Cildo Meireles entre 2020 y 2022.

Abstract in English:

ABSTRACT Through the transparencies of everyday banalities, a sound stimulus led Cildo Meireles to conceive Através [Through]. In this article, we analyze the presence of sound in the Brazilian artist’s installation, seeking to articulate art history, theory and criticism while, as the author, we take the place of the perceiving subject for a phenomenological approach. We used topology as a key to investigating the relationship between visuality and sound in the installation based on sound, visual and tactile images. We highlight transparency and noise, listening possibilities and the walk-through Através based on sound. Among other primary sources, the research draws on interviews conducted by the author with Cildo Meireles between 2020 and 2022.