Resumo em Português:
Resumo: O artigo adota uma abordagem dialógica entre os estudos decoloniais e os estudos históricos e estéticos teatrais. Ele expõe o que a modernidade/colonialidade produz em termos de hegemonia não apenas epistêmica, mas também estética, e constata a incapacidade do teatro pós-moderno de retirar-se da matriz colonial do poder. O estudo de caso da peça Kay pacha, do dramaturgo e militante equatoriano Juan Francisco Moreno Montenegro, permite distinguir as características de uma obra decolonial, operando um deslocamento epistêmico e estético. Por fim, a abordagem empírica destaca o caráter eurocêntrico das ferramentas de análise dramática, inaptas para tratar obras decoloniais.Resumo em Francês:
Résumé: L’article adopte une approche dialogique entre les études décoloniales et les études historiques et esthétiques théâtrales. Il met en exergue ce que la modernité/colonialité produit en termes d’hégémonie non pas seulement épistémique, mais bien esthétique, et constate l’incapacité du théâtre postmoderne à sortir de la matrice coloniale du pouvoir. L’étude de cas de la pièce Kay pacha, du dramaturge et militant équatorien Juan Francisco Moreno Montenegro, permet de discerner les caractéristiques d’une œuvre décoloniale, procédant à un déplacement épistémico-esthétique. L’approche empirique souligne enfin le caractère eurocentré des outils d’analyse dramatique, qui manquent leur objet, quand celui-ci est décolonial.Resumo em Inglês:
Abstract: The article consists in crossing decolonial studies, history and aesthetics. I highlight how the Modernity/Coloniality dualism not only creates an epistemic hegemony but also an aesthetical domination, and I show the postmodern theater unability to untangle itself from the colonial roots of power. Through the analysis of Kay pacha - written by the equatorian activist and playwriter Juan Francisco Moreno Montenegro - I determine the defining features of a decolonial work. In doing so I carry out an epistemic and aesthetic. The kind of empirical approach stresses the european bias of the tools dramaturgical, which are useless to comprehend a decolonial piece of work.Resumo em Português:
Resumo: O texto se situa entre as artes, a antropologia e a filosofia e pretende responder à questão: o processo artístico pode ser entendido como meio de descolonialidade do corpo cotidiano? Metodologicamente, realiza-se revisão de literatura e faz-se uma análise de um processo artístico de que os autores participaram. Resulta da experiência que a proposta de Sampaio (2007) a respeito do corpo atenso para a cena pode ser um frutífero caminho para se chegar à descolonialidade do corpo cotidiano.Resumo em Francês:
Résumé: Ce texte est placé entre les arts, l’anthropologie et la philosophie et vise à répondre à la question: le processus artistique peut-il être compris comme un moyen de décolonialisation du corps quotidien? Sur le plan méthodologique, nous avons effectué une revue de la littérature et nous analysons un processus artistique auquel les auteurs ont participé. Il ressort de l’expérience que la proposition de Sampaio (2007) pour le corps (pas)tendu de la scène peut être un moyen fructueux d’atteindre la décolonialité du corps quotidien.Resumo em Inglês:
Abstract: The text is situated between the arts, anthropology and philosophy and aims to answer the question: can the artistic process be understood as a means of decoloniality of the ordinary body? Methodologically, a literature review was carried out and it was analyzed an artistic process in which the authors participated. It emerges from Sampaio’s proposal (2007) concerning the atense body for the scene, which can be a fruitful way to reach the decoloniality of the everyday body.Resumo em Português:
Resumo: O objetivo deste artigo é apresentar uma metodologia de pesquisa decolonizadora. A primeira seção problematiza a produção de conhecimento ocidental, usando a matriz colonial de poder de Aníbal Quijano. A segunda teoriza como um pluralismo epistemológico que seja crítico, decolonizador e performativo poderia responder à produção de conhecimento ocidental e à matriz colonial de poder. A terceira discute como esta metodologia foi aplicada ao butô para desenvolver o Butô Crítico. A seção final apresenta He rawe tona kakahu / She wore a becoming dress, uma performance butô que explora a interseção entre gênero e colonização como uma aplicação prática desta metodologia.Resumo em Francês:
Résumé: Cet article vise à présenter une méthodologie de recherche décolonisatrice. La première section interroge la production du savoir occidental faisant usage du concept d’Anibal Quijano de matrice coloniale du pouvoir. La deuxième théorise la manière dont un pluralisme épistémologique critique, décolonisateur et performatif pourrait répondre à la production du savoir occidental et à la matrice coloniale du pouvoir. La troisième examine comment cette méthodologie a été appliquée à la danse butô pour développer le Butô Critique. La section finale présente He rawe tona kakahu / She wore a becoming dress, une performance butô qui explore l’intersection entre genre et colonisation en tant qu’application pratique de cette méthodologie.Resumo em Inglês:
Abstract: The goal of this paper is to present a decolonising research methodology. The first section of this paper problematises western knowledge production, using Aníbal Quijano’s colonial matrix of power. The second section theorises how an epistemological pluralism that is critical, decolonising and performative could address western knowledge production and the colonial matrix of power. The third section discusses how this methodology has been applied to Butoh to develop Critical Butoh. The final section presents He rawe tona kakahu/ She wore a becoming dress, a Butoh performance exploring the intersection of gender and colonisation, as a practical application of this methodology.Resumo em Português:
Resumo: O artigo discute educação, estética e possibilidades para uma estética decolonial, a partir de uma vivência que denominamos mediação (inter)cultural em uma escola guarani e em uma exposição de arte na 10ª Bienal do Mercosul. A noção de escola (inserida no território indígena) como espaço de fronteira contribuiu para a compreensão de um pensamento fronteiriço, que escapa ao cânone moderno ocidental. A mediação (inter)cultural mostrou-se útil como método para o je guata - caminhada -, uma caminhada investigativa, realizada com um coletivo escolar pertencente ao povo guarani.Resumo em Francês:
Résumé: Cet article porte sur l’éducation, l’esthétique et les possibilités pour une esthétique décoloniale à partir d’une expérience de recherche de médiation (inter)culturelle dans une école guarani et dans une exposition d’art à la 10e Biennale du Mercosur. Dans le contexte indigène, l’école est un espace frontalier et pour nous, elle a contribué à la compréhension d’une pensée sur la frontière qui échappe au canon occidental moderne. La médiation (inter) culturelle s’est avérée utile comme méthodologie de recherche pour réfléchir sur la je guata - la marche -, une marche d’investigation, réalisée avec un collectif scolaire guarani.Resumo em Inglês:
Abstract: This article discusses education, aesthetics and possibilities for a decolonial aesthetics, based on an experience we call (inter)cultural mediation in a Guarani school and an art exhibition at the 10th Mercosul Biennial. The concept of school (located in the indigenous territory) as a border space contributed to the understanding of a border thinking, which escapes the modern western canon. The (inter)cultural mediation proved to be useful as a method for je guata - a walking -, an investigative walking, performed with a school group of Guarani people.Resumo em Português:
Resumo: Este ensaio problematiza o termo decolonização aplicado aos currículos de dança e performance no ensino superior. Para tanto, utiliza o argumento de Eve Tuck e K. Wayne Yang (2012) de que a colonização está enraizada em uma visão de mundo que considera os seres como coisas passíveis de exploração. Também examina os esforços para promover a diversidade na formação, coreografia e conhecimento em estúdio e a precarização do trabalho nos departamentos universitários. O ensaio reflete sobre a estrutura da universidade como ente colonial e empresarial, apontando sua relação com a precariedade do neoliberalismo. O artigo é concluído ao sugerir que o conhecimento e o ensino das artes e das humanidades criam oportunidades para maneiras alternativas de viver e interagir para além de paradigmas neoliberais e neocoloniais.Resumo em Francês:
Résumé: Cet article problématise le terme ‘décolonisation’ appliqué aux programmes de danse et de performance universitaires. Il le fait via l’argument d’Eve Tuck et K. Wayne Yang (2012) selon lequel la colonisation est enracinée dans une vision du monde qui positionne les êtres comme des choses exploitables. En s’attachant aux efforts visant à favoriser la diversité dans la formation, la chorégraphie et l’érudition en studio, la précarisation du travail au sein des départements universitaires est également examinée. L’essai considère la structure de l’université comme une entité à la fois coloniale et corporative, signalant sa relation avec la précarité du néolibéralisme. L’article conclut en suggérant que l’érudition et l’enseignement des arts et des sciences humaines créent des occasions de vivre et d’interagir au-delà des paradigmes néolibéraux et néocoloniaux.Resumo em Inglês:
Abstract: This essay problematizes the term ‘decolonization’ as applied to university dance and performance curricula. It does so via Eve Tuck and K. Wayne Yang’s (2012) argument that colonization is rooted in a worldview that positions beings as exploitable things. Addressing efforts to foster diversity within studio training, choreography, and scholarship, the casualization of labor within university departments is also examined. The essay considers the structure of the university as both a colonial and corporate entity, signaling its relationship to the precarity of neoliberalism. The paper concludes by suggesting that arts and humanities scholarship and teaching create opportunities for alternate ways of living and interacting beyond neoliberal, neocolonial paradigms.Resumo em Português:
Resumo: O estudo parte do corpo como local reflexivo para observar criações artísticas, tendo como perspectiva inspiradora duas artistas: Marina Abramović e Elke Hering. O objetivo geral foi investigar os diálogos estabelecidos pelas obras dessas artistas e o corpo como potência estética. A observação analítica da performance de Abramović e a obra de Hering permitiram um mergulho no espaço do corpo como campo de potencialidades sensíveis e possíveis relações com saberes em arte. Ao final, congruências, semelhanças, distanciamentos do corpo em arte como temática e suporte possibilitam discussões no campo da experiência estética em arte.Resumo em Francês:
Résumé : L’étude part du corps comme lieu de réflexion pour observer les créations artistiques, en ayant comme perspective inspirateur deux artistes: Marina Abramović et Elke Hering. L’objectif général était d’étudier les dialogues établis par les œuvres des artistes et le corps comme puissance esthétique. L’observation analytique de la performance d’Abramović et l’oeuvre d’Hering a permis de plonger dans l’espace du corps comme un champ de potentialités sensibles et des relations possibles avec les connaissances dans l’art. A la fin, les congruences, les similitudes, les distances du corps dans l’art en tant que thème et support sont mises en évidence, permettant de discuter le corps comme un domaine d’expérience esthétique dans l’art.Resumo em Inglês:
Abstract: This study contemplates the body as a reflective place to observe artistic creations, having two artists as inspiring perspective: Marina Abramović and Elke Hering. The general goal was to investigate the dialogues established by the artists’ works and the body as aesthetic potency. The analytical observation of Abramović’s performance and Hering’s work allowed a dive into the space of the body as a field of sensitive potentialities and possible relations with knowledge in art. In the end, congruences, similarities, the distances of the bodies created in art as thematic and support make discussions in the field of aesthetic experience in art possible.Resumo em Português:
Resumo: O artigo faz uma análise do único registro em áudio (1968) do piauiense Torquato Neto, o qual aponta, em diálogo com o contexto experimental da Tropicália (Süssekind, 2007), um outro ponto de vista para repensar as criações e estudos ligados às culturas ditas populares, uma vez que tais manifestações são quase sempre circunscritas exclusivamente ao campo do Folclore. Partindo da relação entre local e global (Anjos, 2005) e do conceito de antropofagia como mecanismo de proposição de uma arte brasileira que incorporaria tanto os mitos estrangeiros quanto os nacionais, discute-se o projeto poético de, como diz Torquato, não folclorização do popular.Resumo em Francês:
Résumé: L’article analyse l’unique audio (1968) de Torquato Neto, qui souligne, en dialogue avec le contexte expérimental de Tropicália (Süssekind, 2007), un autre point de vue pour repenser les créations et les études connecté auxdites cultures populares car ces manifestations sont souvent confinées exclusivement au domaine du Folklore. A partir de la relation entre le local et le global (Anjos, 2005) et du concept de anthropophagie comme un mécanisme de proposition d’un art brésilien qui incorporerait les mythes étrangers comme les mythes nationaux, est discuté le projet poétique de, comme le dit Torquato, non folklorisation du populaire.Resumo em Inglês:
Abstract: The article analyzes the only audio record (1968) of Torquato Neto, which points out, in dialogue with the experimental context of Tropicália (Süssekind, 2007), another point of view to rethink the creations and studies related to the so-called popular cultures, since such manifestations are almost always circumscribed exclusively to the field of Folklore. Starting from the relation between local and global (Anjos, 2005) and the concept of anthropophagy as a mechanism for proposing a Brazilian art that would incorporate both foreign and national myths, it is discussed the poetic project of non-folklorizing the popular, as Torquato says.Resumo em Português:
Resumo: O artigo investiga a questão da teatralidade do Minimalismo a partir das leituras críticas elaboradas por Michael Fried e Rosalind Krauss. Enquanto Krauss, desde o primeiro momento em que reflete sobre obras de Donald Judd e Dan Flavin, evidencia sua contradição fundamental - a presença da ilusão, a despeito de sua rejeição pelos artistas -, Fried atém-se ao pretenso literalismo dessas propostas, denominando-o de teatralidade. No texto, as duas abordagens serão confrontadas, extraindo-se delas os pontos de vista dos autores para a noção de teatralidade.Resumo em Francês:
Résumé: Le document examine la question de la théâtralité minimaliste à partir des lectures critiques produites par Michael Fried et Rosalind Krauss. On observe que, si Krauss, dès le premier moment qui reflète sur les travaux de Donald Judd et Dan Flavin, montre sa contradiction fondamentale - la présence de l’illusion, en dépit de son rejet par les artistes - Fried met l’accent sur le littéralisme présumé de ces propositions, baptisant la théâtralité. Dans le texte, les deux approches seront confrontées en les extrayant les vues des auteurs à la notion de théâtralité.Resumo em Inglês:
Abstract: The article investigates Minimalism’s theatricality from the standpoint of Michael Fried’s and Rosalind Krauss’ critical readings. On the one hand, Krauss, from the very first moment in which she reflects on the works of Donald Judd and Dan Flavin, evidences their fundamental contradiction: the presence of the illusion, despite its rejection by the artists. On the other hand, Fried focuses on the alleged literalism of those projects, calling them theatricality. In the text, the two approaches will be confronted in order to explore the authors’ different views on the notion of theatricality.