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RESUMO A poesia contemporânea brasileira tem se mostrado propícia para a exploração de diálogos entre diferentes formas de expressão artística, especialmente no que se refere à intersecção entre o verbal e o visual. Este artigo investiga, nesse sentido, as relações intermidiáticas entre poesia e fotografia no livro Cinelândia (2021), da poeta e artista visual carioca Leila Danziger. Para isso, fundamentada nos estudos de intermidialidade (Rajewsky, 2005; 2020), a presente análise tem como objetivo discutir como o diálogo entre texto e imagem contribui para a construção de sentidos sobre o espaço urbano na poesia de Danziger. A partir das análises críticas e da discussão teórica proposta, observou-se que, em Cinelândia, a fotografia desempenha um papel essencial, não apenas como registro visual, mas também como elemento crítico, que tensiona os processos de memória, a monumentalidade e o cotidiano da cidade. Além disso, as interações entre as mídias ampliam a percepção sobre o espaço urbano, destacando as complexas relações entre a história, a cultura e a vida cotidiana. As reflexões propostas indicam que Danziger utiliza a fotografia para desautomatizar o olhar sobre o espaço urbano, através do registro da interação entre os indivíduos e a cidade. Dessa forma, Cinelândia constrói uma poética que, com frequência, dissolve fronteiras entre as mídias, resultando em uma abordagem estética inovadora que evidencia a interação entre poesia e imagem.

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ABSTRACT Contemporary Brazilian poetry has proven itself to be conducive to exploring dialogues between different forms of artistic expression, especially regarding the intersection of the verbal and the visual. This article, therefore, investigates the inter-medial relationships between poetry and photography in the book Cinelândia (2021), by Rio de Janeiro-based poet and visual artist Leila Danziger. To this end, grounded in intermediality studies (Rajewsky, 2005; 2020), this analysis aims to discuss how the dialogue between text and image contributes to the construction of meanings about urban space in Danziger's poetry. Based on the critical analyses and the proposed theoretical discussion, we conclude that, in Cinelândia, photography plays an essential role, not only as a visual record but also as a critical element, tensioning the processes of memory, monumentality, and the city's everyday life. Furthermore, interactions between media broaden perceptions of urban space, highlighting the complex relationships between history, culture, and everyday life. The proposed reflections indicate that Danziger uses photography to de-automatize the way we view urban space by recording the interaction between individuals and the city. In this way, Cinelândia has constructed a poetics that frequently dissolves boundaries between media, resulting in an innovative and aesthetic approach that highlights the interplay between poetry and image.

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RESUMO Este trabalho propõe uma reflexão sobre o poema enquanto corpo-palimpséstico no livro palavra preta (2021), de tatiana nascimento. O livro nasce em um poema de três versos e toma corpo com poemas invadindo e ultrapassando o limite das páginas, sugerindo múltiplas formas de leitura da palavra-imagem que desestabiliza noções tradicionais de compor poesia. Assim, propomos o corpo-palimpsesto como chave de leitura de palavra preta, um corpo que surge no território afetuoso e seguro do cuírlombismo, e que suscita a presença de uma voz lírica polifônica. A materialização desse território e a presença de um “nós” poético é constatada na leitura dos poemas, nos fazendo atentar para as rasuras estilísticas de novas escrituras em movimento.

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ABSTRACT This paper proposes a reflection on the poem as a palimpsestic body in tatiana nascimento’s book palavra preta (2021). The book begins with a three-verse poem and takes shape with poems invading and surpassing the limits of the pages, suggesting multiple ways of reading the word-image that destabilizes traditional notions of composing poetry. Thus, we propose the palimpsest-body as a key to reading palavra preta, a body that emerges in the affectionate and safe territory of cuirlombism, and that evokes the presence of a polyphonic lyrical voice. The materialization of this territory and the presence of a poetic “we” is observed in the reading of two poems, making us pay attention to the stylistic erasures of new writings in motion.

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RESUMO Este artigo propõe uma leitura crítica dos diálogos entre as poéticas de Ana Cristina Cesar e Sylvia Plath, articulando três eixos: o falso confessional, a metapoesia e a memória de leitura. A partir da análise dos poemas “Presente de aniversário” e “Palavras”, de Sylvia P., e “O tempo fecha” e “sete chaves”, de Ana C., investiga-se como ambas constroem vozes líricas que tensionam os limites entre a experiência e o fazer poético. Dialogando com Rosenthal (1959) e Gilbert e Gubar (1979), recorro ao conceito de falso confessional, marcado pela transparência ambígua de um eu que performa uma falsa intimidade, em que o corpo feminino se configura como corpo que é território (Grosz, 2000), sujeito a controle, mas que se faz resistência. No campo da metapoesia, a noção de opacidade revela-se central: o poema torna-se espaço autorreflexivo e de protesto, onde o corpo, usando de recursos textuais, transforma-se em corpo-texto (Françoso, 2008). O conceito de memória de leitura (Kleiman, 1989; Halbwachs, 2006) permite compreender a interlocução afetiva e crítica entre as escritoras, sobretudo na poética de Ana C., leitora de Plath. Assim, este estudo evidencia como ambas recusam e subvertem a tradição literária patriarcal e instauram, na poesia contemporânea, discursos performáticos e críticos, ironizando e principalmente desafiando a normatividade.

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ABSTRACT This paper proposes a critical reading of the dialogues between the poetics of Ana Cristina Cesar and Sylvia Plath, articulated around three axes: the pseudo-confessional, metapoetry, and reading memory. Through an analysis of the poems “A birthday present” and “Words”, by Sylvia Plath, and “O tempo fecha” and “sete chaves”, by Ana Cristina Cesar, the research investigates how both poets construct lyrical voices that strain the boundaries between lived experience and poetic making. Dialoguing with Rosenthal (1959) and Gilbert and Gubar (1979), I draw on the concept of the pseudo-confessional, marked by the ambiguous transparency of an “I” that performs a fabricated intimacy, in which the female body is configured as a body-territory (Grosz, 2000), subject to control yet constituting an act of resistance. In the field of metapoetry, the notion of opacity becomes central: the poem emerges as a self-reflective and protest space, where the body-through textual resources-transforms into a body-text (Françoso, 2008). The concept of reading memory (Kleiman, 1989; Halbwachs, 2006) enables an understanding of the affective and critical dialogue between the writers, especially in the poetics of Ana Cristina Cesar, a reader of Plath. Thus, this study highlights how both poets reject and subvert the patriarchal literary tradition and establish, in contemporary poetry, performative and critical discourses that ironize and, above all, challenge normativity.

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RESUMO: Corte e costura, de Marina Gaspar, organiza-se pela lógica do fragmento. Cada poema opera como um “corte” - um gesto que interrompe a linearidade e revela uma memória isolada, autônoma, quase como retalhos dispersos. Ao mesmo tempo, esses recortes instauram uma “costura”: um esforço de remendar experiências, alinhavar lembranças e produzir sentido a partir do que resiste. O livro constrói, assim, uma poética da descontinuidade, na qual recordar e narrar significam disputar o que pode entrar ou não no tecido do dizer. Ao longo do livro, costurar e escrever tornam-se gestos paralelos: ambos implicam rasgar, remendar, reconstruir e inscrever novas possibilidades de existência. A instabilidade dos poemas - sua fragmentação, suas quebras, seus silêncios - reflete a instabilidade das próprias categorias de análise no feminismo contemporâneo. Nesse sentido, a obra sugere que, assim como o tecido, a memória e o conhecimento também se fazem de fendas, reparos e sobreposições. O que me interessa neste estudo, assim, é a construção poética da obra de Marina: como o corte, os fios e nós - gestos da costura - aparecem como procedimento discursivo, de reelaboração da memória e construção do arquivo; como podemos ler esses procedimentos em um contexto mais amplo, pensar a relação que estabelecem entre diferentes temporalidades; por fim, refletir sobre em que medida podemos pensar a aproximação entre costura e texto como produtiva para a construção de uma epistemologia feminista.

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ABSTRACT Corte e costura, by Marina Gaspar, is structured through the logic of the fragment. Each poem operates as a “cut” - a gesture that interrupts linearity and reveals an isolated, autonomous memory, almost like scattered scraps. At the same time, these fragments establish a “sewing”: an effort to mend experiences, stitch together memories, and produce meaning from what endures. The book thus constructs a poetics of discontinuity, in which remembering and narrating entail negotiating what can or cannot enter the fabric of expression. Throughout the work, sewing and writing become parallel gestures: both involve tearing, mending, reconstructing, and inscribing new possibilities of existence. The instability of the poems - their fragmentation, ruptures, and silences - reflects the instability of the analytical categories within contemporary feminism itself. In this sense, the work suggests that, like fabric, memory and knowledge are also composed of gaps, repairs, and overlaps. What interests me in this study, therefore, is the poetic construction of Marina Gaspar’s work: how cutting, threads, and knots - gestures of sewing - emerge as discursive procedures for the reworking of memory and the construction of the archive; how these procedures may be read within a broader context, considering the relationships they establish across different temporalities; and finally, to what extent the approximation between sewing and text can be understood as productive for the construction of a feminist epistemology.

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RESUMO O presente texto propõe uma reflexão a partir de Variações sobre a saudade, da autora portuguesa Patrícia Lino, work in process iniciado em 2021, ponderando nele a manifestação de posturas de desmontagem, rasura e desconstrução de objetos líricos mediante o exercício de variação dos mesmos e a sua sequente reposição em renovadas configurações, no que se calibra como jogo de tensão e fratura de forma. Assim, persegue-se a leitura desta obra seguindo essa íntima articulação entre corte, transferência e reescritura ou reposição e, num rescaldo mais amplo, silêncio e homenagem, manifestações radicais de uma tensa relação com o discurso poético.

Resumen en Inglés:

ABSTRACT This text proposes a reflection based on Variations on saudade by the Portuguese author Patrícia Lino, a work in progress begun in 2021, considering within it the manifestation of postures of dismantling, erasing and deconstructing lyrical objects through the exercise of varying them and their subsequent repositioning in renewed configurations, in what is calibrated as a game of tension and fracture of form. Thus, the reading of this work is pursued following this intimate articulation between cutting, transfer and rewriting or repositioning and, in a broader aftermath, silence and homage, radical manifestations of a tense relationship with poetic discourse.

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RESUMO: O objetivo deste artigo é analisar a poética da apropriação através da tradução na obra de Verónica Jaffé. Neste sentido, Jaffé inicia com as suas coletâneas de poesia El largo viaje a casa (1994) e La versión de Ismena (2000), cuja estética translíngue dará origem a livros posteriores nos quais se combinam arte visual, tradução e poesia, como Sobre traducciones: poemas 2000-2008 (2010), e a tradução Friedrich Hölderlin intitulada Friedrich Hölderlin: cantos hespericos según la edição histórico-crítica de D.E. Sattler / traducción y versiones libres (en lienzo y poemas) (2015), que é revisado com mais detalhes neste artigo. Por meio de Hölderlin, Jaffé propõe uma forma de apropriação em que o poeta alemão é deslocado, provocando uma montagem na qual a autoria e a originalidade são questionadas através de uma série de “versões livres”; simultaneamente, essa exploração envolve um processo de mapeamento onde colagem, fotografia e tradução coincidem em um “atlas apropriador” do estrangeiro, que dá dimensão a uma obra inclassificável dentro da poesia venezuelana do século XXI.

Resumen en Español:

RESUMEN: El objetivo del presente artículo es analizar la poética de la apropiación a través de la traducción en la obra de Verónica Jaffé. En este sentido, Jaffé parte de sus libros de poemas El largo viaje a casa (1994) y La versión de Ismena (2000), cuya estética translingüe desembocará en libros posteriores donde se fusionan arte visual, traducción y poesía, como Sobre traducciones: poemas 2000-2008 (2010), y la traducción a Friedrich Hölderlin titulada Friedrich Hölderlin: cantos hespéricos según la edición histórico-crítica de D.E. Sattler / traducción y versiones libres (en lienzo y poemas) (2015), la cual es revisada con mayor énfasis en este artículo. A través Hölderlin Jaffé propone una forma de apropiación donde el poeta alemán se disloca, provocando un montaje donde la autoría y la originalidad son cuestionadas por medio de una serie de “versiones libres”, a la vez que existe en esta exploración un proceso de mapeado, donde el collage, la fotografía y la traducción se refunden en un “atlas apropiativo” de extranjería, el cual dimensiona una obra inclasificable dentro de la poesía venezolana del siglo XXI.

Resumen en Inglés:

ABSTRACT: The aim of this article is to analyze the poetics of appropriation through translation in the work of Verónica Jaffé. In this sense, Jaffé begins with her poetry collections El largo viaje a casa (1994) and La versión de Ismena (2000), whose translingual aesthetic will lead to later books where visual art, translation, and poetry merge, such as Sobre traducciones: poemas 2000-2008 (2010), and the translation Friedrich Hölderlin: cantos hespericos según la edición histórico-crítica de D.E. Sattler / traducción y versiones libres (en lienzo y poemas) (2015), which is reviewed in greater detail in this article. Through Hölderlin, Jaffé proposes a form of appropriation where the German poet is dislocated, provoking a montage in which authorship and originality are questioned through a series of “free versions”; simultaneously, this exploration involves a mapping process where collage, photography, and translation merge into an “appropriative atlas” of foreignness, which gives dimension to an unclassifiable work within 21st-century Venezuelan poetry.

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RESUMO: Este artigo visa a debater o livro intitulado (In)Confidências (2023), a obra mais recente da escritora guineense Odete Semedo, considerando o pensamento de Amílcar Cabral como chave de leitura. Em seu terceiro livro de poesia e quinto livro literário, Odete Semedo revela-se como sujeito singular e coletivo, que, ao mesmo tempo, mostra sua individualidade e o clamor social de seu povo, reforçando o caminho que vem trilhando desde sua primeira obra, em 1996. Neste artigo, pretendemos investigar as relações do passado - seja este ancestral, considerando a memória e a história dos povos constituintes do território da Guiné-Bissau, seja colonial, atentando para os benefícios e malefícios advindos da empreitada lusitana - e do presente em que se encontra a autora, os quais se materializam poeticamente nos versos da escritora. Para tanto, a discussão tratará de ancestralidade, herança literária e sociedade guineense, a partir das reflexões realizadas por Amílcar Cabral, Moema Augel, Honorat Aguessy, Linda Houtcheon, Julia Kristeva e Mikail Bakhtin.

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ABSTRACT: This article aims to discuss the book entitled (In)Confidências (2023), the most recent work by the Guinean writer Odete Semedo, considering the thought of Amílcar Cabral as a key to interpretation. In her third book of poetry and fifth literary work, Odete Semedo reveals herself as a singular and collective subject, who simultaneously expresses her individuality and the social outcry of her people, reinforcing the path she has trodden since her first work in 1996. In this article, we intend to investigate the connections to the past - whether ancestral, considering the memory and history of the peoples that constitute the territory of Guinea-Bissau, or colonial, focusing on the benefits and harms arising from the Portuguese enterprise - and to the present in which the author finds herself, which are poetically materialized in the writer's verses. To this end, the discussion will address ancestry, literary heritage, and Guinean society, based on the reflections of Amílcar Cabral, Moema Augel, Honorat Aguessy, Linda Hutcheon, Julia Kristeva, and Mikhail Bakhtin.

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RESUMO O poema como lugar para um pensar filosófico é um dos pontos de encontro entre as vozes de Ana Martins Marques (Belo Horizonte, 1977) e de Wislawa Szymborska (Polônia, 1923-2012). A poeta polonesa vem se destacando como uma das vozes de referência na poesia de Ana Martins Marques, especialmente em seus livros mais recentes. Meu objetivo é investigar a voz de Wislawa Szymborska como um dos princípios de uma linha que costura, que puxa outras vozes de autoria feminina, configurando uma linhagem de autoria feminina cultivada, principalmente ao longo da segunda parte d’O livro dos jardins (2019). Para tanto, busco analisar esse diálogo entre Ana Martins Marques e Wislawa Szymborska a partir da leitura crítica do poema “Um jardim para Wislawa”, no livro referido, assim como dos poemas que se encontram nas suas redes intertextuais. Com isso, também busco verificar uma implícita mas importante política de gênero, em ambas as poéticas, de Ana Martins Marques e Wislawa Symborska, em ocupar um lugar que não é tradicionalmente associado à autoria feminina: o das “poéticas do pensamento” (Lavelle, 2019), conforme reconhece Patricia Lavelle, no ensaio “Leituras que se cruzam nos jardins de Ana Martins Marques”, publicado na revista Pessoa. Trata-se de uma poética entre poesia e filosofia, criação literária e leitura crítica, poeta-leitora e leitora-crítica, na qual o poema reage poeticamente às argumentações filosóficas (Lavelle, 2019).

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ABSTRACT My goal is to investigate the voice of Wislawa Szymborska as one of the principles of a thread that weaves together, pulling other voices of female authorship, configuring a lineage of female authorship cultivated mainly throughout the second part of O livro dos jardins (2019). To this end, I seek to analyze this dialogue between Ana Martins Marques and Wislawa Szymborska through a critical reading of the poem “Um jardim para Wislawa,” in the aforementioned book, as well as the poems found in their intertextual networks. With this, I also seek to verify an implicit but important gender politics in both poetics, those of Ana Martins Marques and Wislawa Szymborska, in occupying a place not traditionally associated with female authorship: that of the “poetics of thought” (Lavelle, 2019), as Patricia Lavelle acknowledges in the essay “Leituras que se cruzam nos jardins de Ana Martins Marques,” published in the journal Pessoa. This is a poetics between poetry and philosophy, literary creation and critical reading, poet-reader and reader-critic, in which the poem reacts poetically to philosophical arguments (Lavelle, 2019).

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RESUMO Uma aproximação entre duas obras monumentais da historiografia brasileira: Os sertões, de Euclides da Cunha, e Grande sertão: veredas, de Guimarães Rosa. O artigo parte dos resíduos da escrita de Os sertões - ou o que ficou perdido entre anotações dos textos marginais e excesso de referências teóricas - para chegar à marginalia produzida por Guimarães Rosa durante a leitura da obra máxima de Euclides e às anotações de viagem coletadas pelo autor mineiro para a escrita de Grande sertão: veredas para traçar uma reflexão sobre os limites do pensamento e da linguagem na modernidade.

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ABSTRACT An analysis of two monumental works of the Brazilian historiography: Os sertões, by Euclides da Cunha, and Grande sertão: veredas, by Guimarães Rosa. The article explores the remnants of the writing of Os sertões - or what was lost between notes on marginal texts and an excess of theoretical references - to arrive at the marginalia produced by Guimarães Rosa during his reading of Euclides' greatest work and the travel notes collected by the Minas Gerais author for the writing of Grande sertão: veredas, in order to outline a reflection on the limits of thought and language in modernity.

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RESUMO Neste artigo, abordaremos o interesse da crítica Leyla Perrone-Moisés pela retórica, em suas múltiplas dimensões. Em primeiro, identificando a forma como ela se refere a esse campo de conhecimento em seus livros, sobretudo em seus trabalhos destinados a Raul Pompéia e Lautréamont, a saber, O ateneu, retórica e paixão (1988) e Lautréamont Austral (2014). Em segundo, mostrando como ela mesma se vale de noções herdadas da retórica - inventio, dispositio e elocutio -, ainda que não explicitamente nomeadas, para analisar a obra de um de seus objetos mais importantes, o crítico literário francês Roland Barthes. Por fim, a partir de um corpus específico (seus textos sobre Barthes), tentamos entender o que seria a própria retórica de Leyla: seus temas, sua organização textual e suas figuras, e quais efeitos ela provoca no leitor de seus artigos.

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ABSTRACT In this article, we will address the interest of literary critic Leyla Perrone-Moisés in rhetoric, in its multiple dimensions. Firstly, identifying the way she refers to this field of knowledge in her books, especially in her works dedicated to Raul Pompéia and Lautréamont, namely, O ateneu, retórica e paixão (1988) and Lautréamont Austral (2014). Secondly, showing how she herself makes use of notions inherited from rhetoric-inventio, dispositio, and elocutio-even if not explicitly named, to analyze the work of one of her most important subjects, the French literary critic Roland Barthes. Finally, based on a specific corpus (her texts on Barthes), we try to understand what Leyla's own rhetoric would be: her themes, her textual organization, and her figures, and what effects they provoke in the reader of her articles.

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RESUMO Afterlife: Ghost Stories from Goa de Jessica Faleiro oferece uma exploração cativante de histórias assombradas e dinâmicas culturais no mundo lusófono. Através de uma análise detalhada das histórias de fantasmas presentes na obra, este artigo investiga como Faleiro aborda temas de reparação histórica e justiça reparadora no contexto do passado colonial e presente pós-colonial de Goa. Pretende-se demonstrar como a autora utiliza técnicas narrativas góticas para iluminar os efeitos contínuos do colonialismo, explorar traumas históricos e identidade cultural, contribuindo para o discurso decolonial na literatura pós-colonial indiana. A partir de perspectivas interdisciplinares, o estudo situa a obra de Faleiro no contexto mais amplo da produção literária e cultural lusófona, destacando forças invisíveis que moldam o património do mundo de língua portuguesa.

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ABSTRACT Jessica Faleiro’s Afterlife: Ghost Stories from Goa offers a compelling exploration of haunting histories and cultural dynamics within the Lusophone world. Through a close examination of the ghost stories portrayed in her book, this article explores how Faleiro navigates themes of historical reparation and reparative justice within the context of Goa’s colonial past and postcolonial present. I intend to show how Faleiro employs Gothic narrative techniques to illuminate the ongoing effects of colonialism, explore themes of historical trauma and cultural identity, and contribute to the broader decolonial discourse in Indian postcolonial literature. Drawing on interdisciplinary perspectives, this article situates Faleiro’s work within the broader framework of Lusophone literary and cultural production, shedding light on the unseen forces that shape the heritage of the Portuguese-speaking world.

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RESUMO Proponho uma abordagem topológica da poesia de Paul Celan, explorando os lugares-limite nela construídos com obstinação. A reflexão origina-se das palavras do próprio poeta em seu discurso “O Meridiano”, quando diz que “o poema se afirma às margens de si mesmo” e que a procura pelo lugar da poesia seria uma “investigação topológica” (Celan, 1960). A incansável busca de orientação em Celan resulta numa intrigante espacialização em seus poemas: seja nas rupturas silábicas, nas abruptas quebras de versos, seja no interior das palavras poéticas, nas tensas junções dos compósitos, que geram opacidade linguística, seja nos efeitos inusitados do uso de partículas de direção e de negação e nos lugares de transição evocados nos versos - pontos que examinaremos neste estudo. A abordagem topológica em Celan inicia com a discussão de excerto de “O Meridiano”, discurso marcado por reflexões críticas acerca da poesia contemporânea e por problematizações de ordem filosófica, em especial de matriz heideggeriana (Lyon, 2006). Nesse sentido, a leitura topológica da obra celaniana é concebida não como um sistema de signos ou como um repertório de lugares-comuns - cuja tradição remonta à discussão sobre topoi desenvolvida por Curtius -, que visariam a um afastamento da realidade, mas como um mapeamento de espaços instaurados na própria linguagem, nos quais se configuram modos singulares de presença e de interlocução. Conclui-se que o tópos da poesia celaniana é um lugar-limite em aberto, criado por um sujeito nele inscrito, em infinito diálogo com a memória e com o “tu”, como em uma fita de Möbius.

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ABSTRACT I propose a topological approach to Paul Celan's poetry, exploring the boundary-places he persistently constructs within it. This reflection originates from the poet’s own words in his discourseThe Meridian, where he states that “the poem asserts itself on the margins of itself” and that the search for the place of poetry would be a “topological investigation” (Celan, 1960). Celan’s tireless quest for orientation results in an intriguing spatialization in his poems: whether in syllabic ruptures, abrupt verse breaks, the interior of poetic words, the tense junctions of composites that generate linguistic opacity, the unusual effects of directional and negation particles, or the transitional places evoked in the verses-points that will be examined in this study. Celan’s topological approach begins with an analysis of an excerpt from The Meridian, a discourse characterized by critical reflections on contemporary poetry and by philosophical problematizations, particularly of a Heideggerian nature (Lyon, 2006). In this sense, the topological reading of Celan’s work is conceived not as a system of signs or as a repertoire of commonplaces - whose tradition goes back to the discussion oftopoideveloped by Curtius - that would aim at a distancing from reality, but as a mapping of spaces established in language itself, in which singular modes of presence and interlocution are configured. It is concluded that thetoposof Celan’s poetry constitutes an open-ended boundary, created by a subject inscribed within it, in infinite dialogue with memory and with the “you,” as in a Möbius strip.