Resumen en Portugués:

Resumo Durante a ditadura militar no Brasil (1964-1985), a música popular teve uma função importante como veículo de protesto e de conscientização política da população, principalmente junto à camada mais jovem, composta por estudantes secundaristas e universitários. Ao mesmo tempo, a censura imposta pelo regime fez com que muitas músicas, tanto brasileiras como de outros países, fossem proibidas. O advento da fita cassete revolucionou a reprodução de cópias que podiam ser feitas diretamente de outras fitas, de programas de rádio e de discos de vinil, permitindo assim um maior compartilhamento de músicas de protesto. Se fossem descobertas, fitas cassete com músicas de protesto podiam ser apreendidas pela polícia, por serem consideradas material subversivo, e seus criadores severamente punidos pelo regime. A tarefa de criar e copiar fitas de músicas proibidas exigia cuidado, discrição e, principalmente, um local seguro. Este trabalho de pesquisa debruça-se sobre um artefato musical descoberto em 1984 no Rio de Janeiro, em local clandestino, e busca interpretá-lo à luz da conjuntura histórica dos anos de chumbo no Brasil.

Resumen en Inglés:

Abstract During Brazil’s military dictatorship (1964–1985), popular music served as a powerful vehicle for protest and political awareness, particularly among high school and university students. However, censorship imposed by the regime led to the banning of many songs, both Brazilian and international. The advent of the cassette tape revolutionized music sharing, as copies could be made directly from other tapes, radio programs, or vinyl records, enabling broader dissemination of protest songs. Yet, if discovered, possession of such tapes could lead to their seizure by the police, as they were deemed subversive materials, and their creators faced severe punishment. The process of creating and copying tapes of banned music required caution, discretion, and, most importantly, a secure location. This study focuses on a musical artifact discovered in Rio de Janeiro in 1984 at a clandestine site. We aim to analyze it in the context of Brazil’s anos de chumbo (“years of lead”).

Resumen en Portugués:

Resumo O presente trabalho tem como fonte principal de pesquisa o depoimento de Carlos Negreiros para a Comissão Estadual da Verdade do Rio de Janeiro. No depoimento, Negreiros conta a relação conflituosa, ocorrida no período de 1964 a 1970, entre a Orquestra Afro-Brasileira, coletivo do qual fazia parte, e o interventor da ditadura militar brasileira, que atuava na Rádio MEC, ambiente onde a orquestra fazia seus ensaios e onde Abigail Moura, líder do conjunto, trabalhava como copista. A partir da triangulação desse material com outros trabalhos sobre a Orquestra Afro-Brasileira e com notas da imprensa da época, teremos condição de traçar minimamente um panorama de como o regime tratou a questão da raça neste caso em específico. Nesse panorama, abordaremos quatro perspectivas: o episódio em que a orquestra foi impedida de representar o Brasil no Festival de Artes Negras em Dacar, Senegal; a paranoia anticomunista; a depredação e destruição do acervo da orquestra; e, por último, a melancolia dos dias finais de Abigail Moura, que também decretou o final da orquestra, pelo menos em sua configuração original. Visitar essas perspectivas, neste caso em específico, vai nos permitir refletir o quanto a ditadura militar no Brasil agiu concretamente em prol do racismo e do apagamento histórico.

Resumen en Inglés:

Abstract The main source of this study is Carlos Negreiros' testimony to the Rio de Janeiro State Truth Commission. In his testimony, Negreiros recounts the contentious relationship that took place from 1964 to 1970 between the Afro-Brazilian Orchestra––a collective of which he was a member––and the Brazilian military dictatorship’s appointed overseer at Rádio MEC, where the orchestra held rehearsals and where Abigail Moura, the ensemble's leader, worked as a copyist. By triangulating this testimony with other works on the Afro-Brazilian Orchestra and with press notes from the period, we can provide a preliminary overview of how the regime addressed racial issues in this specific case. This overview will explore four key perspectives: the incident in which the orchestra was barred from representing Brazil at the Festival of Black Arts in Dakar, Senegal; the anti-communist paranoia; the vandalism and destruction of the orchestra's archives; and, finally, the melancholy of Abigail Moura's final days, which also marked the end of the orchestra in its original form. Examining these perspectives allows us to reflect on the extent to which the military dictatorship in Brazil actively contributed to racism and historical erasure.

Resumen en Portugués:

Resumo O artigo, de caráter teórico e bibliográfico, debate a importância que a canção Chiclete com banana adquire dentro do repertório de Jackson do Pandeiro. Relaciona-se o cotidiano vivido pelo artista às suas criações e interpretações. Percebe-se que a canção Chiclete com banana logra desdobramentos importantes dentro da história cultural brasileira da segunda metade do século XX. A música e a interpretação dada por Jackson do Pandeiro criam um espaço de manobra repleto de tensão e ludicidade, que permite ao cantor, de modo contraditório, negar e ao mesmo tempo incorporar a imbricação da cultura estrangeira na local.

Resumen en Inglés:

Abstract The article, both theoretical and bibliographical in nature, discusses the significance of the song “ Chiclete com Banana” in Jackson do Pandeiro's repertoire. It explores how the artist’s daily life shaped his creations and performances. The song “ Chiclete com Banana ” represents a significant milestone in the evolution of Brazilian cultural history during the second half of the 20th century. Jackson do Pandeiro's music and performances create a space for negotiation, rich in tension and playfulness. This space allows the singer, in a paradoxical way, to simultaneously reject and embrace the blending of foreign culture and local traditions.

Resumen en Portugués:

Resumo Este trabalho investiga a questão do paralelismo de acordes na música de Igor Stravinsky como um evento estilístico coordenador de influências e confluências estéticas. Explorando precedentes históricos na literatura, bem como questões biográficas do compositor, o presente trabalho demonstra uma série de manifestações composicionais desta prática, não apenas na música de Stravinsky, mas também no Nacionalismo Russo do século XIX (em especial na obra de compositores do Círculo Balakirev) e na obra de compositores com os quais Stravinsky estabeleceu algum tipo de relação de amizade (incluindo Claude Debussy e Maurice Ravel). Observando que esta aptidão possui colateralidades com o início da prática polifônica medieval teorizada, o paralelismo de acordes frequentemente empregado no modernismo stravinskiano representa um afastamento prático dos mecanismos de condução de vozes (especialmente aqueles com ênfase na idealização dos movimentos oblíquo e contrário) que se estabeleceram durante o predomínio do sistema tonal. Não menos importante do que as amplas e demais questões que envolvem o tecido de superfície de suas composições, os momentos em que acordes são articulados em paralelo constituem um dos traços tipicamente relacionados à música de Stravinsky.

Resumen en Inglés:

Abstract This work investigates chordal parallelism in the music of Igor Stravinsky as a stylistic event, as well as an articulation of aesthetic influences and confluences. Exploring historical precedents through a literature review, including biographical questions related to the composer, this work demonstrates some compositional manifestations of this phenomenon, not only in the music of Stravinsky, but also in nineteenth-century Russian nationalism (especially in works of composers of Balakirev’s circle) and in the work of composers with whom Stravinsky established friendships (including Claude Debussy and Maurice Ravel). Perceiving that this aptitude features collaterality with the beginning of medieval theorized polyphonic practices, the chordal parallelism often manifested in Stravinsky's modernism represents a practical deviation from the mechanisms of tonal voice leading (especially those with an emphasis on oblique and contrary motion) that were established during the predominance of the tonal system. No less important than other surrounding questions related to his foreground compositional style are the moments in which chords are articulated in parallel, one of the technical features typically related to Stravinsky's music.

Resumen en Español:

Resumen El presente artículo tiene como objetivo analizar los aportes científicos ligados al desarrollo de la criticidad de la música en estudiantes de educación superior, de países iberoamericanos, desde los años 2006 al 2021. El método utilizado fue una revisión sistemática con nivel descriptivo, empleando los criterios de cribado y elegibilidad a través de la guía de la Declaración PRISMA. La búsqueda se realizó en bases de datos online de SciELO, Scopus, EBSCO y ProQuest, aplicando los descriptores: "critical thinking", "criticality", "music", "music education", a su vez combinando entre ellos el uso de los booleanos AND y por último OR, en inglés y español. En la revisión del análisis se tuvo en cuenta las estrategias didácticas, secuencias metodológicas de incremento formativo, habilidades de pensamiento, autorregulación y motivación. Los resultados fueron el análisis de 22 artículos originales, de los cuales 3 fueron artículos con diseño no experimentales descriptivos, 4 cuasi experimentales, 1 no experimental observacional, 2 no experimentales correlacionales, 1 cuantitativo longitudinal, 3 investigación-acción, 4 fenomenológico hermenéutico, 1 cualitativo descriptivo, 1 teórico cultural y 3 de diseño mixto; resaltando la necesidad del acceso a nuevas formas de pensamiento crítico. Se concluyó que el desarrollo de la criticidad en la música requiere de una enseñanza auténtica, basada en el manejo de herramientas vanguardistas, estrategias pedagógicas innovadoras y actualizadas que generen la autonomía, la autorregulación y la motivación en el estudiante.

Resumen en Inglés:

Abstract The objective of this article is to analyze the scientific contributions related to the development of music criticality in higher education students in Ibero-American countries from the years 2006 to 2021. The method used was a systematic review with a descriptive level, using screening and eligibility criteria following PRISMA guidelines. The search was conducted on online databases including SciELO, Scopus, EBSCO, and ProQuest, utilizing descriptors such as "critical thinking", "criticality", "music", "music education", and combining them using Boolean operators AND and OR, in both English and Spanish. The review considered didactic strategies, methodological sequences for formative enhancement, thinking skills, self-regulation, and motivation. The results involved the analysis of 22 original articles, comprising three non-experimental descriptive studies, four quasi-experimental studies, one non-experimental observational study, two non-experimental correlational studies, one longitudinal quantitative study, three action research studies, four phenomenological hermeneutic studies, one descriptive qualitative study, one cultural theoretical study, and three mixed design studies. The findings emphasize the need for access to new forms of critical thinking. In conclusion, fostering critical thinking in music requires authentic teaching grounded in cutting-edge tools, innovative pedagogical strategies, and updated approaches that foster autonomy, self-regulation, and motivation in students.

Resumen en Portugués:

Resumo Este artigo traz reflexões sobre os contextos históricos e sociais que oportunizaram a origem da lambada/guitarrada no Pará, a partir de análises musicais realizadas sobre o primeiro álbum gravado por Mestre Vieira, um dos principais compositores da lambada/guitarrada no estado do Pará. Considerado o primeiro álbum dedicado integralmente ao gênero musical lambada, o LP Lambadas das Quebradas Vol. 1 , lançado no ano de 1978, traz informações históricas e musicais que revelam os processos musicais criativos que deram origem à lambada/guitarrada de Mestre Vieira, bem como a força de atuação e o direcionamento da indústria de entretenimento sobre a produção e prática musical local no Pará. Como desenvolver uma metodologia que nos permita analisar musicalmente o álbum Lambadas das Quebradas Vol. 1 , de Mestre Vieira, e que, portanto, nos auxilie acerca de reflexões sobre os contextos históricos que implicam diretamente em seu processo criativo? Como organizar e apresentar os resultados das análises musicais realizadas sobre o LP? Além da revisão bibliográfica sobre o assunto, foi realizada pesquisa de campo entre os anos de 2017 e 2023, que considerou aspectos metodológicos e teóricos da Etnomusicologia. As análises realizadas sobre o álbum original da lambada/guitarrada de Mestre Vieira revelam um rico e importante registro da produção musical popular no Pará ainda pouco explorada pela historiografia dominante no Brasil, e, considerando a linha do tempo de gravação, produção e lançamento do referido álbum de música, foram constatadas a multiplicidade de gêneros musicais que orbitam os processos criativos de Mestre Veira e a imponente atuação da indústria de entretenimento transnacional sobre este tipo de produção local.

Resumen en Inglés:

Abstract This article presents reflections on the historical and social contexts that facilitated the emergence of lambada/ guitarrada in Pará. The analysis is based on musical analyses of the first album recorded by Mestre Vieira, a prominent composer of lambada/ guitarrada in the state. Recognized as the first album dedicated entirely to the lambada genre, the LP “Lambadas das Quebradas, Vol. 1”, released in 1978, provides historical and musical insights that reveal the creative musical processes that shaped Mestre Vieira's lambada/ guitarrada . It also sheds light on the influence of the entertainment industry on local musical production and practice in Pará. The article addresses methodological questions, specifically how to develop a methodology for the musical analysis of Mestre Vieira’s “Lambadas das Quebradas, Vol. 1” and, consequently, aids in reflections on the historical contexts that directly influence his creative process. It also explores how to organize and present the results of the musical analyses conducted on the LP. In addition to a bibliographic review on the subject, field research was conducted between 2017 and 2023, considering methodological and theoretical aspects of ethnomusicology. The analyses performed on Mestre Vieira’s original lambada/ guitarrada album reveal a rich and significant record of popular musical production in Pará, an area still relatively unexplored by the dominant historiography in Brazil. Considering the timeline of recording, production, and release of this music album, the study observes the multiplicity of musical genres influencing Mestre Veira's creative processes and notes the imposing role of the transnational entertainment industry on this type of local production.

Resumen en Español:

Resumen La legislación española actual no contempla las competencias en las Enseñanzas Profesionales de Música, a pesar de que la Ley de Educación lo requiere. Este trabajo tiene como objetivo definir estas competencias a través del análisis de la legislación, la literatura sobre habilidades profesionales de pianistas, la clasificación europea de capacidades, competencias, cualificaciones y ocupaciones y el informe final referido a la enseñanza musical preuniversitaria de la Asociación de Conservatorios Europeos. Un grupo focal compuesto por un panel de expertos analizó la propuesta realizada, efectuó cambios a partir del debate y confrontación de opiniones, y por medio de un cuestionario, mostró el grado de acuerdo con la propuesta final. El resultado es la validación de un documento con tres niveles estructurales: perfil profesional, unidades de competencia y resultados de aprendizaje. Sin embargo, algunos expertos expresan dudas sobre los resultados de aprendizaje que no están incluidos en el currículo de los Conservatorios de Música Profesionales.

Resumen en Inglés:

Abstract The current Spanish legislation does not include professional piano teaching skills, although the Educational Law does require it. To define these skills, the legislation corresponding to these teachings is analyzed, as well as the skills of professional piano players, the European Classification of Abilities, Skills, Qualifications, and Occupations, and the final report of the Association of European Conservatories regarding pre-university music teaching. This work aims to validate the document that defines the skills acquired by the students of these courses. Through a focus group composed of an Expert Panel, the proposal is analyzed, changes are made stemming from the discussion and exchange of opinions, and through a questionnaire, the final level of agreement conformity is revealed. The result is the validation of a document with three structural levels: the professional profile, units of competence, and its corresponding associated learning outcomes. Nevertheless, some expert’s express doubts about the learning outcomes that are not currently included in the syllabus of Professional Music Conservatories.

Resumen en Portugués:

Resumo A finalidade da universidade é produzir conhecimento, propor e preparar para o novo, seja qual for a área de conhecimento. Como fazê-lo a partir de um projeto de canto coral de nível extensionista? É possível aliar o fazer artístico com a produção de pesquisa dentro de um projeto de extensão? Indo além, como articular essa prática musical com diversas áreas de conhecimento de nível superior? Como promover a transdisciplinaridade? Responder a essas perguntas e promover interlocuções entre ensino, pesquisa e extensão foi um dos desafios da última década dentro do Projeto Movimento Coral Feevale, um projeto de extensão que é desenvolvido em uma universidade comunitária. O objetivo geral desta pesquisa é identificar como o projeto faz para tornar-se espaço de produção, e não apenas de reprodução de conhecimento. Os objetivos específicos foram realizar um levantamento bibliográfico sobre o canto, descrever o projeto e as suas articulações com diversas áreas do conhecimento, identificar a promoção de práticas de pesquisa, e refletir sobre o trabalho da equipe do projeto em sua atuação profissional com o canto, identificando a ocorrência ou não da transdisciplinaridade. O método utilizado foi a revisão bibliográfica com abordagem qualitativa, fazendo um levantamento de pesquisas realizadas acerca do canto, articulando com o relato de experiência do projeto extensionista de canto coral. A discussão mostra que é possível articular o fazer extensionista de canto coral com a pesquisa e o ensino.

Resumen en Inglés:

Abstract The purpose of the university is to produce knowledge, and propose and prepare for the new, regardless of the field of knowledge. How can this be done through an extension-level choir project? Is it possible to combine artistic practice with research production within an extension project? How? Furthermore, how can this musical practice be articulated with various areas of higher knowledge? How to promote transdisciplinarity? Answering these questions and fostering dialogue between teaching, research, and extension has been one of the challenges of the last decade within the Feevale Choir Movement Project, an extension project developed at a community university. The general goal of this research is to identify how the project succeeds in becoming a space for knowledge production rather than just reproduction. The specific objectives were to conduct a bibliographical review on singing, describe the project and its connections with various areas of knowledge, identify the promotion of research practices, and reflect on the project team’s professional engagement with singing. Additionally, the aim was to determine the presence or absence of transdisciplinarity. The method used was a bibliographic review with a qualitative approach, surveying research on singing and connecting it with the experience report of the choir extension project. The discussion shows that it is possible to articulate the extension practice of choir singing with research and teaching.

Resumen en Portugués:

Resumo O presente artigo discute a aplicação das Normas para a Pronúncia do Português Brasileiro no Canto Erudito, publicadas em 2007, às Oito Canções Populares Brasileiras, do compositor paraibano José Siqueira (1907-1985). Tendo em vista que não só essas canções, mas toda a obra de Siqueira possui forte caráter regional, é nosso entendimento que adaptações das normas são necessárias. Sugerimos aqui uma pronúncia do português brasileiro que acreditamos que trará mais credibilidade, autenticidade e expressividade à performance de tais canções. Este artigo é também um esforço consciente na luta contra o preconceito linguístico e a estigmatização de variedades linguísticas que comumente não são consideradas corretas ou apropriadas.

Resumen en Inglés:

Abstract This article discusses the application of the Normas para a Pronúncia do Português Brasileiro no Canto Erudito [Guidelines for Brazilian Portuguese Pronunciation in Classical Singing] published in 2007, to Oito Canções Populares Brasileiras by Paraiban composer José Siqueira (1907-1985). Given that these songs, like Siqueira’s entire body of work, possess a strong regional character, we believe adaptations to the guidelines are necessary. We propose a pronunciation of Brazilian Portuguese that we believe enhances credibility, authenticity, and expressiveness to the performance of these songs. This article is also a conscious effort to combat linguistic prejudice and the stigmatization of linguistic varieties that are often considered incorrect or inappropriate.

Resumen en Portugués:

Resumo O texto aqui proposto é uma travessia nos versos da canção Roda viva, de Chico Buarque de Hollanda, acompanhada pelos acontecimentos históricos do Brasil em dois tempos diferentes: a ditadura militar (1964–1985) e o governo do presidente Jair Messias Bolsonaro (2019–2022). Num movimento não linear e oscilatório por acontecimentos recentes e antigos, entre apagamentos e rastros, buscamos compor a percepção da proximidade do presente com as forças fascistas, antidemocráticas e conservadoras existentes em determinados grupos sociais e políticos de nosso país, resquícios da ditadura vivida, cuja força violenta ainda nos impele para o perigo de um passado de censura, torturas e mortes. A abordagem textual é benjaminiana porque revisita o passado a partir dos restos e fragmentos presentes nos versos de Roda viva e de sua relação com o tempo histórico, trazendo a letra da música como um coro da peça homônima à canção, numa verdadeira “roda viva” de fatos, violências e opressões.

Resumen en Inglés:

Abstract The paper is a traversal of the lyrics of the song Roda Viva by Chico Buarque de Hollanda, accompanied by the historical events of Brazil in two distinct periods: the military dictatorship (1964-1985) and the government of President Jair Messias Bolsonaro (2019-2022). In a non-linear and oscillatory exploration between recent and past events, erasures and traces, we seek to illuminate the connections between the current moment and the fascist, anti-democratic, and conservative forces existing in certain social and political groups in Brazil —remnants of the dictatorship experienced, whose violent legacy still propels us toward the danger of a past of censorship, torture, and death. The textual approach is Benjaminian, as it revisits the past through the fragments and remnants embedded in the lyrics of Roda Viva and its relationship with historical time, bringing the song’s lyrics as a chorus to the theatrical play of the same name, creating a genuine “roda viva” [merry-go-round] of facts, violence, and oppression.

Resumen en Portugués:

Resumo Este ensaio faz parte de um experimento conduzido no doutorado, com o intuito de aplicar diferentes métodos de análise musical a contextos variados, visando combiná-los para obter resultados indicativos. A análise recai sobre Heitor Villa-Lobos, um dos maiores compositores brasileiros do século XX, cuja produção musical, especialmente as obras para violão, tem destaque internacional. O estudo foca os 5 Prelúdios para violão, com uma análise dos paradigmas rítmicos e harmônicos presentes nos 10 primeiros compassos do Prelúdio nº 4. A proposta é explorar como metodologias analíticas menos utilizadas, como as de LaRue (1989, 1992, 2001, 2011) e Ruwet (1987), podem oferecer novas perspectivas à vasta produção acadêmica sobre Villa-Lobos, resultantes de estudos semióticos da linguagem. A aplicação dessas metodologias, até então pouco usadas neste repertório, sugere novas possibilidades interpretativas. Este estudo, ao abordar a análise estilística e paradigmática, não busca esgotar o tema, mas sim abrir caminhos para investigações futuras, reconhecendo que a obra de Villa-Lobos ainda pode ser examinada sob diferentes prismas analíticos. A reflexão aqui apresentada é, por vezes, subjetiva, com o intuito de sugerir novas visões e interpretações sobre os Prelúdios.

Resumen en Inglés:

Abstract This essay is part of an experiment conducted during a PhD program, aimed at applying different methods of musical analysis to various contexts, seeking to combine them to achieve indicative results. The analysis focuses on Heitor Villa-Lobos, one of the greatest Brazilian composers of the 20th century, whose musical production, especially works for guitar, has garnered international recognition. The study focuses on the 5 Preludes for guitar, with an analysis of rhythmic and harmonic paradigms present in the first 10 measures of Prelude No. 4. The proposal is to explore how lesser-used analytical methodologies, such as those by LaRue (1989; 1992; 2001; 2011) and Ruwet (1987), can offer new perspectives to the extensive academic production on Villa-Lobos, resulting from semiotic studies of musical language. The application of these methodologies, which have thus far been underutilized in this repertoire, suggests new interpretative possibilities. This study, by addressing stylistic and paradigmatic analysis, does not seek to exhaust the subject, but rather to open avenues for future research, recognizing that Villa-Lobos' work can still be examined through different analytical lenses. The reflection presented here is, at times, subjective, aiming to propose new insights and interpretations of the Preludes.