Resumen en Portugués:

Resumo Neste informe, verifica-se a existência da Sociedade Femina e recupera-se parte da história da atuação feminista e musical brasileira. A Sociedade Feminina de Cultura Artístico-Musical existiu no Rio de Janeiro entre agosto de 1916 e março de 1918. Presidida pela cantora lírica Julieta Correa, a Femina promoveu a música de concerto, a declamação e valores que seguiam os moldes do feminismo europeu. Mulheres dirigiram a Femina, entretanto, varões musicistas ocuparam os cargos de diretor artístico, diretor de coro e diretor de orquestra. A grande presença feminina em espaços de educação musical foi interpretada como uma forma complexa de segregação social. Considerou-se a literatura feminista, historiográfica e musicológica. As fontes primárias foram encontradas na Hemeroteca Digital da Biblioteca Nacional do Brasil. Fundada por Antonieta Leite de Castro, Branca Bilhar, Brasilina Bormann, Edméa Regazzi e Julieta Correa, a Sociedade Femina foi a primeira organização feminista no campo da música de concerto carioca.

Resumen en Inglés:

Abstract This report confirms the existence of the Sociedade Feminina de Cultura Artístico-Musical [Women’s Society for Artistic-Musical Culture], commonly referred to as Sociedade Femina [Femina Society], and recovers part of the history of feminist and musical activity in Brazil. The Sociedade Femina operated in Rio de Janeiro between August 1916 and March 1918. Presided over by operatic singer Julieta Correa, Femina promoted concert music, declamation, and values modeled on European feminism. While women led the organization, male musicians held the positions of artistic director, choir director, and orchestra conductor. The prominent presence of women in music education has been interpreted as a complex form of social segregation. Feminist, historiographical, and musicological literature was consulted, and primary sources were located in the Hemeroteca Digital da Biblioteca Nacional do Brasil [Digital Newspaper Archive of the Brazilian National Library]. Founded by Antonieta Leite de Castro, Branca Bilhar, Brasilina Bormann, Edméa Regazzi, and Julieta Correa, the Sociedade Femina was the first feminist organization in the field of concert music in Rio de Janeiro.

Resumen en Portugués:

Resumo A estreita relação entre a música e a esfera política são o cerne deste estudo, que tem como objeto central o Hino de Sergipe. O objetivo da investigação é analisar a correspondência entre o supracitado hino, cuja composição musical é atribuída ao Frei José de Santa Cecília, OFM (1809-1859) e a ópera L’italiana in Argel, de Gioachino Rossini (1792-1868). Aqui destacam-se dois aspectos que são a relação do Frei José de Santa Cecília com os acontecimentos políticos da independência de Sergipe e do Brasil e a composição de sua obra mais emblemática. A metodologia da pesquisa baseou-se na investigação documental, com foco nos escritos de memorialistas e nos jornais que circulavam em Sergipe e no Rio de Janeiro (por ser a capital do Brasil naquele momento). A Teoria da Recepção também norteia esta análise, especialmente sob a ótica de Robert Jauss (1976) e Mark Everist (2001). Como resultados, o estudo evidenciou a influência da ópera na sociedade sergipana oitocentista e levantou a possibilidade de uma conexão entre o pensamento liberal do franciscano e o Hino de Sergipe. Além disso, o estudo aponta para a relevância do frade como pessoa crítica de seu tempo e de sua sociedade.

Resumen en Inglés:

Abstract The close relationship between music and the political sphere is at the center of this study, which focuses on the Hymn of Sergipe. The goal of the research is to explore the possible connection between the aforementioned hymn, whose musical composition is attributed to Friar José de Santa Cecília, OFM (1809–1859), and the opera L’italiana in Algeri by Gioachino Rossini (1792–1868). Two aspects stand out here: Friar José de Santa Cecília’s relationship with the political events surrounding the independence of Sergipe and Brazil, and the composition of his most emblematic work. The research methodology was based on documentary investigation, focusing on the writings of memoirists and the newspapers circulating in Sergipe and Rio de Janeiro (as it was the capital of Brazil at that time). Reception Theory also guides this analysis, particularly from the perspective of Robert Jauss (1976) and Mark Everist (2001). As a result, the study highlighted the influence of opera on nineteenth-century Sergipe society and raised the possibility of a connection between the Franciscan’s liberal thought and the Hymn of Sergipe. Furthermore, the study highlights the friar’s significance as a critical observer of his time and society.

Resumen en Portugués:

Resumo Esta pesquisa fornece um panorama do estado da arte da produção bibliográfica brasileira na intersecção das áreas de música e ergonomia. Com o levantamento e análise de teses de doutorado e dissertações de mestrado sem limite de data de publicação, e artigos científicos revisados por pares produzidos na década 2012-2022, identificou-se, naqueles domínios, temas predominantes, tendências emergentes e lacunas persistentes no discurso acadêmico. Os resultados revelam uma perspectiva predominante centrada na saúde em grande parte da literatura, enfatizando queixas musculoesqueléticas, doenças ocupacionais e riscos associados. Notavelmente, estudos provenientes diretamente da área da música tendem a propor intervenções ergonômicas mais específicas e concretas aos músicos. A escassez de ações ergonômicas propostas, principalmente em estudos fora da área da música, aponta para uma lacuna crítica que requer atenção em pesquisas futuras. Nesta investigação defende-se a colaboração interdisciplinar entre especialistas em ergonomia e acadêmicos com um profundo conhecimento em performance musical para preencher essa lacuna com o objetivo de propor intervenções ergonômicas baseadas em evidências e contexto-específicas. Ao esclarecer o panorama teórico existente, pretende-se informar estudos futuros, especificamente na performance pianística, incentivando uma exploração focada em aspectos específicos que requerem uma investigação mais profunda.

Resumen en Inglés:

Abstract This study provides a comprehensive state-of-the-art review of Brazilian research at the intersection of music and ergonomics. Based on a survey and analysis of doctoral theses and master’s dissertations with no restriction on publication date, as well as peer-reviewed scientific articles published between 2012 and 2022, this analysis identifies predominant themes, emerging trends, and persistent gaps in the academic discourse within these domains. The results reveal a perspective largely centered on health across much of the literature, with particular emphasis on musculoskeletal complaints, occupational disorders, and associated risks. Notably, studies originating within the field of music tend to propose more specific and concrete ergonomic interventions for musicians. The scarcity of proposed ergonomic interventions especially in studies conducted outside the field of music, points to a critical gap that requires further attention in future research. This overview advocates interdisciplinary collaboration between ergonomics specialists and scholars with deep expertise in musical performance to bridge this gap and develop evidence-based, context-specific ergonomic interventions. By clarifying the current theoretical landscape, the article aims to inform future studies, particularly in piano performance, and to encourage focused investigation of aspects that require deeper examination.

Resumen en Portugués:

Resumo O artigo apresenta informações sobre a prática adotada pelo compositor G. F. Handel (1685-1759) no que tange à utilização dos instrumentos de baixo contínuo em suas odi e oratori no período que viveu em Londres. A pesquisa foi realizada a partir das versões autógrafas da Ode for Saint Cecilia’s Day disponíveis na British Library (Biblioteca Britânica), Foundling Hospital Museum (Museu do Foundling Hospital) e, também, comparadas às informações, anotadas pelo compositor, nas partes dos instrumentos harmônicos – cravo, órgão e alaúde – em outras obras suas (Alexander’s Feast, 1737; Messiah, 1741). Começando pela importância da forma oratório inglês e passando por obras instrumentais, o texto traz informações sobre o método de produção do compositor a partir de sua mudança para a Inglaterra em 1710. Observa-se que a praxe aplicada por Handel era utilizar o cravo como principal instrumento de baixo contínuo, especialmente no acompanhamento de recitativos e árias. O órgão também foi empregado dessa forma em algumas passagens específicas indicadas pelo compositor na partitura e, em Tasto solo, na maioria dos trechos em que se observa sua utilização.

Resumen en Inglés:

Abstract This article examines G. F. Handel’s (1685–1759) practice in the use of basso continuo instruments in his English odes and oratorios composed during his years in London. The study was based on autograph versions of the Ode for Saint Cecilia’s Day, available at the British Library and the Foundling Hospital Museum and was further informed by comparisons with annotations made by the composer in the harmonic instrument parts—harpsichord, organ, and lute—in other works (Alexander’s Feast, 1737; Messiah, 1741). Beginning with the importance of the English oratorio form and moving through instrumental works, the text provides insights into the composer’s working methods after his move to England in 1710. It is observed that Handel’s usual practice was to employ the harpsichord as the principal basso continuo instrument, especially in the accompaniment of recitatives and arias. The organ was also used in this way in certain passages explicitly indicated by the composer in the score and, in tasto solo, in most instances where its use is observed.

Resumen en Portugués:

Resumo O presente artigo revisita pormenores da conhecida querela entre Artusi e Monteverdi salientando a exigência artusiana por um discurso musical racional que se justifique por seus próprios meios, sem dispor da autoridade da palavra. Por meio de revisão bibliográfica de textos de Artusi e de comentadores recentes, objetiva-se uma análise crítica de questões como: a qualificação objetiva ou subjetiva dos intervalos musicais, tomando para estudo de caso os intervalos de trítono; a independência da música em relação ao conteúdo semântico do texto e às finalidades sociais; e a qualidade essencial dos princípios musicais frente à emulação dos afetos. Tocando desacordos que são significativos ainda hoje, conclui-se que a análise aqui proposta ajuda a avaliar como a realização musical, conforme a perspectiva de Artusi, não se desassocia do âmbito moral.

Resumen en Inglés:

Abstract This article revisits key aspects of the well-known quarrel between Artusi and Monteverdi, highlighting Artusi’s demand for a rational musical discourse that could be justified on its own terms, without recourse to the authority of words. Drawing on a bibliographical review of Artusi’s writings alongside recent scholarship, the study critically analyzes issues such as the objective versus subjective qualification of musical intervals—taking the tritone as a case study—the independence of music from the semantic content of text and its social purposes, and the essential quality of musical principles in contrast to the emulation of affections. By revisiting the disagreements that remain relevant today, we conclude that the analysis put forward here contributes to understanding how, in Artusi’s perspective, musical production was inseparable from the moral sphere.

Resumen en Portugués:

Resumo Este trabalho focaliza, ainda de forma preliminar, o aspecto melódico sob uma perspectiva pedagógico-composicional. Partindo de uma definição do conceito de melodia, com base na altura, no ritmo e na ordenação, são propostas diversas abordagens (não exaustivas) de construção melódica, muitas delas com um rico potencial para automatização computacional (algumas são exemplificadas de forma simplificada). Adicionalmente, são apresentados, também em caráter não exaustivo, diversos procedimentos de transformações melódicas (em níveis cromáticos, diatônicos, integrais, mutacionais etc.), as quais, combinadas a procedimentos de derivação harmônica – tomando a melodia como ponto de partida – se constituem em um conjunto de ferramentas úteis ao estudante de composição, ou mesmo ao compositor interessado em manipular estruturas melódicas.

Resumen en Inglés:

Abstract This article examines melodic organization from a pedagogical and compositional standpoint, adopting an exploratory framework. Melody is initially defined through the interaction of pitch, rhythm, and ordering principles, serving as the basis for the presentation of several approaches to melodic construction. Although not intended to be exhaustive, these approaches highlight procedures with significant potential for computational implementation, some of which are illustrated through simplified examples. The study further outlines a set of melodic transformation techniques operating at different structural levels—such as chromatic, diatonic, integral, and mutational processes. When combined with harmonic derivation strategies that take the melodic line as a generative source, these procedures form a coherent toolkit for compositional practice. The proposed framework is intended both as a pedagogical resource for composition students and as a practical set of methods for composers interested in the systematic manipulation and development of melodic structures.

Resumen en Español:

Resumen Este artículo tiene por objetivo analizar el uso del proceso musical como principio formal en el primer cuarteto de cuerdas de Heinz Holliger (1973), atendiendo a las soluciones compositivas que articulan su forma global. El estudio se concentra en el plano de la planificación y la organización del material —la escritura de la partitura— y examina cómo Holliger construye una forma musical a partir de la interacción de múltiples procesos simultáneos en parámetros diferenciados: aspectos melódicos, tímbricos, dinámicos, técnicos, de sincronización entre los intérpretes y de tensión física de los instrumentos. A partir de este análisis se discute, en clave analítica y no perceptiva, la pertinencia de pensar el desarrollo formal de la obra en términos narrativos, contextualizando además el enfoque de Holliger frente al de otros compositores que han abordado el proceso como forma —Steve Reich, Gérard Grisey, Philippe Hurel, György Ligeti—. La investigación argumenta que esta obra representa una contribución significativa al desarrollo de formas musicales basadas en procesos y su relación con la narrativa musical.

Resumen en Inglés:

Abstract This article aims to analyse the use of musical process as a formal principle in Heinz Holliger's First String Quartet (1973), with attention to the compositional solutions that articulate its overall form. The study focuses on the level of planning and organisation of the material —the writing of the score— and examines how Holliger builds a musical form through the interaction of multiple simultaneous processes across differentiated parameters: melodic, timbral, dynamic and technical aspects, synchronisation between performers, and physical tension of the instruments. On this basis, the relevance of thinking the formal development of the work in narrative terms is discussed analytically rather than perceptually, contextualising Holliger's approach in relation to other composers who have addressed process as form —Steve Reich, Gérard Grisey, Philippe Hurel, György Ligeti—. The research argues that this work represents a significant contribution to the development of process-based musical forms and their relationship to musical narrative.

Resumen en Español:

Resumen La Educación a nivel superior ha de garantizar una formación de calidad en los futuros profesionales de la música, tanto en su faceta interpretativa como en su faceta como docentes. El objetivo de este trabajo consiste en proporcionar recursos docentes que permitan facilitar el análisis y comprensión del repertorio más actual. Además de realizar una completa revisión bibliográfica, se realiza en este estudio una correlación de variables académicas para averiguar si el aprendizaje de la música contemporánea mediante la conexión analítica y paramétrica puede verse condicionado por la experiencia y los conocimientos previos musicales adquiridos. Esta investigación de diseño selectivo (ex-post-facto) demuestra que el estudio por parámetros musicales y análisis resulta favorable. Estos recursos podrían ser la clave para encontrar una mayor presencia de la música contemporánea en las programaciones, favoreciendo su comprensión tanto en educación musical especializada (Conservatorios) como generalista (Educación Primaria y Secundaria), pues no se debe olvidar la importancia de educar al público en la escucha de repertorio diverso.

Resumen en Inglés:

Abstract Education at a higher level must guarantee quality training for future music professionals, both in their performing role and in their role as teachers. The objective of this work is to provide teaching resources that facilitate the analysis and understanding of the most current repertoire. In addition to carrying out a complete bibliographic review, in this study a correlation of academic variables is carried out to find out if the learning of contemporary music through the analytical and parametric connection can be conditioned by the experience and previous musical knowledge acquired. This selective design research (ex-post-facto) demonstrates that research on musical parameters and analysis is favorable. These resources could be the key to finding a greater presence of contemporary music in programming, favoring its understanding in both specialized musical education (Conservatories) and general music education (Primary and Secondary Education), since the importance of educating audiences to appreciate a diverse repertoire should not be overlooked.

Resumen en Portugués:

Resumo Este artigo realiza um estudo sobre a trajetória do maestro Dirson Costa, abordando sua formação musical, suas contribuições para a música no Estado do Amazonas e sua produção artística. O objetivo principal é analisar a atuação do maestro na consolidação institucional da música amazonense, bem como catalogar suas principais obras, contribuindo para a preservação e o acesso ao seu legado musical. A pesquisa adota um método histórico-biográfico, utilizando fontes primárias e secundárias, incluindo manuscritos e documentos preservados no Instituto Dirson Costa. Os resultados incluem a catalogação detalhada de 17 obras do maestro, apresentadas em tabela acompanhada de fichas catalográficas, evidenciando a diversidade de sua produção e sua relevância para a memória musical amazônica. O estudo demonstra que a atuação de Dirson Costa ultrapassou o campo da composição e regência, contribuindo significativamente para a consolidação de instituições e práticas musicais no Amazonas ao longo do século XX. Conclui-se que seu legado possui importância para a compreensão do desenvolvimento musical na região e para a preservação do patrimônio musical amazônico.

Resumen en Inglés:

Abstract This article presents a study on the trajectory of the conductor Dirson Costa, addressing his musical education, his contributions to music in the state of Amazonas, and his artistic production. The main objective is to analyze Costa’s role in the institutional consolidation of music in Amazonas, as well as to catalogue his principal works, contributing to the preservation and accessibility of his musical legacy. The research adopts a historical-biographical approach, using primary and secondary sources, including manuscripts and documents preserved at the Dirson Costa Institute. The results include a detailed catalogue of 17 works by the composer, presented in a table accompanied by catalog records, highlighting both the diversity of his production and its relevance to Amazonian musical memory. The study demonstrates that Dirson Costa’s work extended beyond composition and conducting, contributing significantly to the consolidation of musical institutions and practices in Amazonas throughout the twentieth century. It concludes that his legacy is important for understanding the development of music in the region and for preserving Amazonian musical heritage.

Resumen en Español:

Resumen Este artículo presenta una intervención en el aula que emplea el método estudio de casos para aplicar diversos libros del método Piano Adventures. Participaron cuatro estudiantes de segundo curso de enseñanzas elementales de música de una escuela de la Comunidad Valenciana. El proyecto tiene como objetivo evaluar la efectividad y versatilidad de este método, que ofrece una amplia variedad de recursos flexibles y adaptables para el aula. Los resultados destacan su carácter motivador y práctico, así como su capacidad para fomentar el desarrollo técnico, musical y creativo del alumnado. Por otra parte, el método permite abordar habilidades poco trabajadas en métodos tradicionales, como el transporte, la improvisación y la lectura a primera vista, combinadas con un repertorio atractivo y progresivo. Los resultados también muestran que el alumnado participante aumenta el desarrollo de estas habilidades durante la intervención. Se concluye que el enfoque horizontal que propone el método, al priorizar la ampliación curricular sobre el paso de nivel, posibilita un aprendizaje más completo, significativo y personalizado.

Resumen en Inglés:

Abstract This article presents a classroom intervention based on the case study method that applies various books from the Piano Adventures method. Four second-year elementary music students from a school in the Valencian Community participated in the study. The project aims to assess the effectiveness and versatility of this method, which offers a wide range of flexible and adaptable resources for the classroom. The results highlight its motivating and practical nature, as well as its ability to foster students' technical, musical, and creative development. Furthermore, the method addresses skills that are often underemphasized in traditional methods, such as transposition, improvisation, and sight-reading, while integrating an engaging and progressive repertoire. The findings indicate that participating students improve their development of these skills throughout the intervention. The study concludes that the horizontal approach proposed by the method, which prioritizes curricular expansion over level progression, enables a more comprehensive, meaningful, and personalized learning experience.

Resumen en Español:

Resumen Parte de comprender el fenómeno performativo cantado involucra una especial atención sobre las características que presenta en su dimensión acústica, dimensión ampliamente profundizada en la investigación vocal y de la cual derivan vínculos referidos a calidad y salud. En relación a las posiciones laríngeas, parece haber una tendencia sobre una posición descendida que presenta aspectos resonanciales significativos en el cuerpo y el espacio —como el formante del cantante— y que, además, está fuertemente relacionada a la práctica musical académica —en su acepción de música erudita— como modelo de salud y calidad en contraposición con las posiciones de las prácticas musicales populares. Partiendo de esto, con la idea de que las posiciones laríngeas pueden aproximarse a diferentes modos de producción vocal y que en ellas surge también el formante del cantante como una configuración dinámica, en este trabajo se presentan los resultados de un análisis acústico y estadístico descriptivo en el que se compara la performance vocal de cuatro cantantes en las posiciones laríngeas “profunda” e “intermedia” a partir de: (i) la identificación de formantes f4 y f5 vinculados al surgimiento del formante del cantante, y (ii) las características presentes en la frecuencia fundamental (f0). Los resultados permiten considerar que en las dos posiciones laríngeas emerge el formante del cantante, y que la precisión hallada en el control de f0 confirma que las pequeñas variaciones registradas entre posiciones responden a ajustes finos e intencionales de la performance individual.

Resumen en Inglés:

Abstract Part of understanding the performative phenomenon of singing involves paying special attention to its acoustic characteristics, a dimension extensively explored in vocal research and from which links to vocal quality and health are derived. Regarding laryngeal positions, there seems to be a tendency toward a lowered position that presents significant resonance aspects in the body and space—as the singer's formant—and which is also strongly related to academic musical practice—in its sense of classical music—as a model of health and quality, in contrast to the positions used in popular musical practices. Based on this premise, and considering that laryngeal positions can approximate different modes of vocal production and that the singer's formant also emerges within them as a dynamic configuration, this paper presents the results of a descriptive acoustic and statistical analysis comparing the vocal performance of four singers in the "deep" and "intermediate" laryngeal positions. This analysis is based on: (i) the identification of formants f4 and f5 linked to the emergence of the singer's formant, and (ii) the characteristics present at the fundamental frequency (f0). The results suggest that the singer's formant emerges in both laryngeal positions, and that the precision found in the control of f0 confirms that the small variations recorded between positions correspond to fine and intentional adjustments in individual performance.

Resumen en Portugués:

Resumo O trabalho discute a relação de tensão entre música e filosofia em dois momentos individuais, a saber, na musicologia alemã moderna, mais especificamente em Richard Klein (1953-2021) e Carl Dahlhaus (1928-1989), e na primeira metade do século XIX, envolvendo nomes como Beethoven e Wagner, na música, e Hegel, Schelling e Hanslick, na estética. Buscamos tematizar alguns momentos em que filosofia e música se aproximam e se afastam, particularmente na maneira como Dahlhaus interpreta a ideia da música absoluta e tudo o que ela envolve – como um tema privilegiado desse movimento, que estabelece a filosofia da música, se não como uma disciplina, mas como uma “questão” bastante premente para a musicologia.

Resumen en Inglés:

Abstract This paper discusses the tense relationship between music and philosophy in two distinct moments: first, in modern musicology, more specifically in the works of Richard Klein (1953–2021) and Carl Dahlhaus (1928–1989); and second, in the first half of the nineteenth century, involving figures such as Beethoven and Wagner in music, and Hegel, Schelling, and Hanslick in aesthetics. This paper aims to investigate a few historical moments in which philosophy and music move closer together and farther apart, particularly in the way Dahlhaus interprets the idea of absolute music and what it involves, as a privileged theme of this movement, which establishes the philosophy of music, if not as a discipline, then at least as a very pressing issue for musicology.

Resumen en Portugués:

Resumo Este artigo propõe a ancestralização como uma categoria central para compreender os fundamentos musicais do candomblé e, de forma mais ampla, das religiosidades afro-diaspóricas. Parte-se da noção de musipensar para sustentar que tocar tambores sagrados não se reduz a uma prática técnica, mas constitui uma epistemologia em ato, na qual conhecimento, ética, estética e ritual são indissociáveis. Argumenta-se que os toques operam como linguagens acústico-mocionais, estruturadas por regimes temporais cíclicos e espiralares, nos quais o passado atua como presença ativa e critério de validação. A análise enfatiza os processos comunitários de transmissão, legitimação e variação controlada dos fundamentos, mostrando como tradição e inovação se articulam sem ruptura. Conclui-se que “tocar é saber” porque o saber se prova na performance situada, na escuta e na responsabilidade ritual.

Resumen en Inglés:

Abstract This article proposes ancestralization as a central category for understanding the musical foundations of Candomblé and, more broadly, Afro-diasporic religions. Drawing on the notion of musipensar (musithinking), it argues that playing sacred drums cannot be reduced to a technical practice but constitutes an epistemology in action, in which knowledge, ethics, aesthetics, and ritual are inseparable. The analysis contends that drum patterns (toques) operate as acoustic–motional languages, structured by cyclical and spiral temporal regimes in which the past functions as an active presence and a criterion of validation. Emphasis is placed on community-based processes of transmission, legitimation, and controlled variation of foundational elements, showing how tradition and innovation are articulated without rupture. The article concludes that “playing is knowing” because knowledge is proven through situated performance, attentive listening, and ritual responsibility.

Resumen en Portugués:

Resumo O presente artigo tem como objetivo delimitar as referências técnicas e formais no desenvolvimento da dita “série infinita” (uendelighedsrækken) por parte do compositor dinamarquês Per Nørgård no final da década de 1950, em especial a partir de seus estudos com o compositor Vagn Holmboe e da obra do finlandês Jean Sibelius. Nørgård aplicaria esta técnica inicialmente no segundo movimento de sua obra para orquestra de câmara de 1968, Voyage into the golden screen (Rejse ind i den gyldne skærm), de maneira a organizar o material a partir de seus já citados precedentes nórdicos, contudo, sugerindo também fractais e determinadas estruturas típicas da música asiática, em particular da Indonésia. A partir de trechos de obras, diagramas e relatos de caráter tanto pessoal quanto teórico por parte de Nørgård, buscou-se interligar os precedentes e as implicações de sua técnica, suscitando desta maneira conexões culturais não apenas em um nível estritamente perceptivo, mas também estrutural.

Resumen en Inglés:

Abstract This article aims to delimit the technical and formal references in the development of the so-called “infinite series” (uendelighedsrækken) by the Danish composer Per Nørgård in the late 1950s, especially based on his studies with the composer Vagn Holmboe and the work of the Finnish composer Jean Sibelius. Nørgård would initially apply this technique in the second movement of his 1968 work for chamber orchestra, Voyage into the golden screen (Rejse ind i den gyldne skærm), in order to organize the material based on its aforementioned Nordic precedents, while also suggesting fractals and certain structures typical of Asian music, particularly Indonesian. Using excerpts from works, diagrams and accounts of both a personal and theoretical nature by Nørgård, the aim was to interconnect the precedents and implications of his technique, thus eliciting cultural connections not only on a strictly perceptive level, but also on a structural one.

Resumen en Español:

Resumen El presente artículo explora posibles vínculos entre el fenómeno del exilio y el espacio comprendido como construcción subjetiva, así como las potenciales relaciones entre ciudad, prácticas intelectuales, productos culturales y redes revisteriles. Asimismo, expone y analiza la producción escrita menos conocida o apenas transitada de algunos destacados músicos y musicólogos del exilio español en América Latina, con especial atención al contexto argentino. Desde un enfoque metodológico de carácter teórico, se aborda la revista como práctica cultural y se examina cómo las revistas entretejen lo global y lo local, lo letrado y lo popular, las afinidades y los conflictos, para comprender de qué manera configuran interacciones culturales en el contexto de la moderna condición urbana. En una segunda parte, a partir de los aportes de colaboradoras/es españolas/es en revistas editadas en Buenos Aires durante las décadas de 1930 y 1940, se reconstruyen redes intelectuales y se recuperan itinerarios vitales signados por la experiencia del exilio, atendiendo a su reposicionamiento frente a lo político. Se analiza especialmente la música en la revista Cabalgata (1946-1948), publicación que reunió a colaboradores latinoamericanos y europeos en su intento de fomentar las letras y las artes desde un internacionalismo de izquierdas. Las conclusiones destacan que los usos y representaciones de lo musical son una valiosa herramienta para explorar procesos de configuración identitaria e ideológica.

Resumen en Inglés:

Abstract This article explores potential links between the phenomenon of exile and space as a subjective construct, as well as the possible relationships between the city, intellectual practices, cultural products, and journalistic networks. It also presents and analyzes the lesser-known or scarcely explored written works of prominent Spanish musicians and musicologists in exile in Latin America, with particular focus on the Argentine context. Using a theoretical-methodological approach, the article examines the journal as a cultural practice and investigates how journals intertwine the global and the local, the literate and the popular, affinities and conflicts, in order to understand how they shape cultural interactions within the context of modern urban conditions. In the second part, through the contributions of Spanish collaborators in journals published in Buenos Aires during the 1930s and 1940s, intellectual networks are reconstructed and life trajectories marked by the exile experience are recovered, paying attention to their repositioning in relation to political matters. Special attention is given to music in the journal Cabalgata (1946-1948), a publication that brought together Latin American and European contributors in an attempt to promote literature and the arts from a left-wing internationalist perspective. The conclusions highlight that the uses and representations of music are a valuable tool for exploring processes of identity and ideological configuration.