Resumo em Português:

RESUMO Este artigo explora a relação entre as obras de John Cage e Marcel Duchamp, tomando a cena tanto como lugar de transição do visual para o sonoro quanto como um espaço propício para a reinterpretação contemporânea da modernidade artística. Discute-se, nesse sentido, como Cage toma os sons não intencionais gerados pela manipulação e deslocamento das obras do artista francês como ponto de partida de seus próprios trabalhos artísticos. Retoma-se, assim, a relação entre o contemporâneo e o moderno pelo prisma do dissenso quanto às suas periodizações, questionando-se a sua oposição meramente diacrônica.

Resumo em Francês:

RÉSUMÉ Cet article explore la relation entre les œuvres de John Cage et Marcel Duchamp, en considérant la scène à la fois comme un lieu de transition du visuel au sonore et comme un espace propice à la réinterprétation contemporaine de la modernité artistique. Il examine comment Cage se saisit des sons non intentionnels générés par la manipulation et le déplacement des œuvres de l’artiste français comme point de départ pour ses propres créations artistiques. Ainsi, l'étude revisite la relation entre le contemporain et le moderne à travers le prisme du dissensus concernant leurs périodisations, en mettant en question leur opposition purement diachronique.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This article explores the relationship between the works of John Cage and Marcel Duchamp, setting the scene both as a place of transition from the visual to the sonic and as a favorable space for the contemporary reinterpretation of artistic modernity. In this sense, we discuss how Cage takes the unintentional sounds generated by the manipulation and displacement of the French artist's works as a starting point for his own artistic works. The relationship between the contemporary and the modern is therefore revisited through the prism of dissent regarding their periodization, questioning the merely diachronic opposition.

Resumo em Português:

RESUMO O artigo trata da relação entre o escrito e o oral em dramaturgias publicadas no Brasil. Apresenta um pequeno percurso teórico a partir do Teatro Utópico de Valère Novarina, das noções de Oral e Performance de Paul Zumthor, da Teoria do Ritmo de Henri Meschonnic e da Teatralização da Fala de Marion Chénetier-Alev. Analisam-se três dramaturgias brasileiras publicadas - Maré de Marcio Abreu, América de Francisco Mallmann e Farinha com açúcar ou sobre a sustança de meninos e homens de Jé Oliveira - nas quais pretende-se evidenciar as possibilidades de oralidade e de entrada do corpo na linguagem através dos escritos, reforçando uma performance do texto, por meio de sua comunhão com o leitor.

Resumo em Francês:

RÉSUMÉ L’article traite de la relation entre l’écrit et l’oral dans les éditions de dramaturgies au Brésil. Il présente un parcours théorique court basé sur le Théâtre Utopique de Valère Novarina, les notions d’Oral et de Performance de Paul Zumthor, la Théorie du Rythme d’Henri Meschonnic et la Théâtralisation de la Parole de Marion Chénetier-Alev. Analyse trois dramaturgies brésiliennes publiées - Maré de Marcio Abreu, América de Francisco Mallmann et Farinha com açúcar ou sobre a sustança de meninos e homens de Jé Oliveira - dans lesquelles le but est de mettre en évidence les possibilités de l’oralité et l’entrée du corps dans le langage par l’écriture, renforçant ainsi une performance du texte, à travers sa communion avec le lecteur.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT The article deals with the relationship between the written and the oral in dramaturgies published in Brazil. It presents a short theoretical path based on the Utopian Theater by Valère Novarina, the notions of Oral and Performance by Paul Zumthor, the Theory of Rhythm by Henri Meschonnic and the Theatricalization of Speech by Marion Chénetier-Alev. Analyzes three published Brazilian dramaturgies - Maré by Marcio Abreu, América by Francisco Mallmann and Farinha com açúcar ou sobre a sustança de meninos e homens by Jé Oliveira - in which the aim is to highlight the possibilities of orality and the body’s entry into language through writing, reinforcing a performance of the text, through its communion with the reader.

Resumo em Português:

RESUMO Este artigo ecoa a importância da escuta atenta aos ruídos e às sutilezas para compreender a riqueza do Reinado de Nossa Senhora do Rosário em Divinópolis, Minas Gerais. A discussão proposta considera a atmosfera sonora do Reinado combinada com a filosofia banto da Força Vital. A escuta que desbravou os rumos desta escrita parte da experiência da autora enquanto integrante do Terno de Moçambique do bairro Interlagos. Os sons que habitam a festa são apresentados como elementos poéticos que ecoam e moldam a história do Reinado e proporcionam uma resistência comunitária que movimenta a cultura e a memória de parte dos povos afrodescendentes do Centro-Oeste de Minas Gerais.

Resumo em Francês:

RÉSUMÉ L’article souligne l’importance d’une écoute attentive aux sons et subtilités pour comprendre la richesse du Reinado de Nossa Senhora do Rosário (Notre-Dame du Rosaire) à Divinópolis, dans le Minas Gerais, au Brésil. À cet égard, l’article propose une discussion sur l’ambiance sonore combinée à la philosophie bantoue sur la conception de Force Vitale. L’expérience de l’auteur en tant que membre du Terno de Moçambique dans le quartier d’Interlagos a inspiré l’orientation de cet écrit. Les sons de la fête sont présentés comme des éléments poétiques qui font écho et façonnent l’histoire du Reinado, offrant une résistance communautaire qui fait bouger la culture et la mémoire des peuples d’ascendance africaine du centre-ouest du Minas Gerais.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This article echoes the importance of attentive listening to both noise and subtlety in order to grasp the richness of the Reinado de Nossa Senhora do Rosário (Our Lady of the Rosary) in Divinópolis, Minas Gerais (Brazil). The proposed discussion considers the soundscape of the Reinado in conjunction with the Bantu philosophy of Vital Force. The listening that guided the path of this writing stems from the author’s experience as a member of the Terno de Moçambique from the Interlagos neighborhood. The sounds that inhabit the festival are presented as poetic elements that echo and shape the history of the Reinado and provide a form of community resistance that sustains the culture and memory of Afro-descendant peoples in the Central-West region of Minas Gerais.

Resumo em Português:

RESUMO Este artigo investiga o Método Laban na Voz uma abordagem que destaca a voz como elemento central na construção de personagens teatrais. Utilizando a autoetnografia, o estudo narra o processo criativo do ator Felipe Rio Ruas na composição do solilóquio Menandro - morrer deveria ser doce, explorando a voz como impulsionadora do evento corpóreo-vocal. O artigo visa aprofundar a discussão teórica do Método Laban na Voz pela experimentação e a prática, aprofundando a compreensão do personagem e a diversidade de intenções vocais e corporais que ele pode abrigar, assim enriquecendo-o com camadas mais complexas.

Resumo em Francês:

RÉSUMÉ Cet article étudie la Méthode Laban na Voz, une approche qui met en avant la voix comme élément central dans la construction des personnages théâtraux. À l'aide de l'autoethnographie, l'étude raconte le processus créatif de l'acteur Felipe Rio Ruas dans la composition du monologue Menandro - mourir devrait être doux, explorant la voix en tant que moteur de l'événement corporel-vocal. L'article vise à approfondir la discussion théorique de la Méthode Laban na Voz à travers l'expérimentation et la pratique, en approfondissant la compréhension du personnage et de la diversité des intentions vocales et corporelles qu'il peut abriter, l'enrichissant ainsi de couches plus complexes.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This article investigates the Laban na Voz Method, an approach that highlights the voice as a central element in the construction of theatrical characters. Through autoethnography, the study narrates the creative process of actor Felipe Rio Ruas in composing the soliloquy Menandro - Dying Should Be Sweet, exploring the voice as a driver of the corporeal-vocal event. The article seeks to deepen the theoretical discourse of the Laban na Voz Method through both experimentation and practice, expanding the understanding of the character and the range of vocal and physical intentions it can embody, thereby enriching the performance with greater complexity.

Resumo em Português:

RESUMO O artigo, por meio de texto ensaístico com inspiração na perspectiva arqueológica foucaultiana, trata dos modos de subjetivação provocados pelo silêncio no corpo de mulheres. Os materiais empíricos consistem em uma coleção de canções da música popular brasileira. A primeira parte da escrita é produzida a partir dos versos das canções e, a segunda parte, é produzida mais demoradamente com elementos da trama poético-musical, trazendo a atenção para uma delas, que dá nome ao artigo: Cala a boca, Bárbara (Chico Buarque e Ruy Guerra, 1973). Os silêncios serão tratados como práticas que remetem aos três ambientes da experiência: as formas de saber, poder e de relações consigo.

Resumo em Francês:

RÉSUMÉ Inspiré par la perspective archéologique de Foucault, cet article sous forme d’essai étudie les modes de subjectivation induits par le silence dans le corps des femmes. Sur le plan empirique, le texte s’appuie sur un corpus choisi de chansons issues de la musique populaire brésilienne. La première partie de l’article est basée sur les paroles de ces chansons, tandis que la seconde développe plus en profondeur des éléments de leurs intrigues poético-musicales, en particulier de la chanson qui donne son titre au texte: Cala a boca, Bárbara [Tais-toi, Bárbara] (Chico Buarque et Ruy Guerra, 1973). Les silences sont abordés comme des pratiques qui renvoient aux trois domaines de l’expérience: les formes du savoir, du pouvoir et de la conduite individuelle.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT The article, through an essay inspired by the Foucauldian archaeological perspective, deals with the modes of subjectivation caused by silence in women’s bodies. The empirical materials consist of a collection of songs from Brazilian popular music. The first part of the writing is produced from the verses of the songs, and the second part is produced at greater length with elements of the poetic-musical plot, drawing attention to one of them, which gives the article its name: Cala a Boca, Bárbara (“Shut up Bárbara”, by Chico Buarque and Ruy Guerra, 1973). The silences will be treated as practices that refer to the three environments of experience: the ways of knowledge, power and the relations within.

Resumo em Português:

RESUMO Este artigo investiga a complexa relação entre o performer e o personagem, com foco na questão da identificação e nos limites entre arte e vida. A partir de uma análise comparada entre algumas tradições ocidentais e orientais de formação do performer, o estudo aborda perspectivas filosóficas, estéticas e técnicas que problematizam a fusão entre intérprete e papel. Referências importantes, como Jerzy Grotowski, Étienne Decroux, Peter Brook, Constantin Stanislavski e Georges Ivanovitch Gurdjieff, fundamentam a reflexão sobre o conceito de trabalhar sobre si mesmo como prática ética e artística. O artigo argumenta que a maestria na atuação não reside na imersão total no personagem, mas na capacidade de manter uma distância consciente, que permita ao performer desenvolver precisão técnica, liberdade criativa e presença cênica. A noção de auto-observação, entendida como ferramenta para o cultivo de uma presença lúcida e integrada, é apresentada como um princípio central na formação do performer, ressoando com o ideal socrático do autoconhecimento. Por meio desse exercício paradoxal, conclui-se que o performer não apenas aprofunda sua arte, mas também transforma a si mesmo, contribuindo para uma prática teatral crítica e humanizada.

Resumo em Francês:

RÉSUMÉ Cet article explore la relation complexe entre le performer et le personnage, en se concentrant sur la question de l’identification et sur les frontières entre l’art et la vie. À partir d’une analyse comparative de certaines traditions occidentales et orientales de formation du performer, l’étude aborde des perspectives philosophiques, esthétiques et techniques qui remettent en question la fusion entre l’interprète et le rôle. Des références majeures telles que Jerzy Grotowski, Étienne Decroux, Peter Brook, Constantin Stanislavski et Georges Ivanovitch Gurdjieff soutiennent la réflexion sur le concept de travailler sur soi-même comme pratique éthique et artistique. L’article soutient que la maîtrise du jeu ne réside pas dans une immersion totale dans le personnage, mais dans la capacité à maintenir une distance consciente, permettant ainsi au performer de développer une précision technique, une liberté créative et une présence scénique. La notion d’auto-observation, entendue comme un outil de développement d’une présence lucide et intégrée, est présentée comme un principe central dans la formation du performer, en résonance avec l’idéal socratique de la connaissance de soi. À travers cet exercice paradoxal, l’article conclut que l’interprète approfondit non seulement son art, mais se transforme également, contribuant ainsi à une pratique théâtrale critique et humanisée.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This article investigates the complex relationship between the performer and the character, focusing on the question of identification and the boundaries between art and life. Through a comparative analysis of some Western and Eastern traditions of performer training, the study explores philosophical, aesthetic, and technical perspectives that challenge the fusion between performer and role. Key references such as Jerzy Grotowski, Étienne Decroux, Peter Brook, Constantin Stanislavski, and Georges Ivanovitch Gurdjieff support the reflection on the concept of working on oneself as an ethical and artistic practice. The article argues that mastery in acting does not lie in total immersion in the character, but in the ability to maintain a conscious distance that allows the performer to develop technical precision, creative freedom, and stage presence. The notion of self-observation, understood as a tool for cultivating a lucid and integrated presence, is presented as a central principle in performer training, resonating with the Socratic ideal of self-knowledge. Through this paradoxical exercise, the article concludes that the performer not only deepens their art but also transforms themselves, contributing to a critical and humanized theatrical practice.

Resumo em Português:

RESUMO O artigo discute a contribuição da Reorganização Postural Dinâmica (RPD) para o corpo cênico, do ponto de vista dos artistas do teatro e da dança. O estudo desenvolve uma abordagem dialógica dessa técnica somática e mostra de que maneira, na percepção desses artistas, as proposições sensório-motoras e afetivo-cognitivas promovem o refinamento sensorial, a presença cênica e o fluxo de estados de consciência. O destaque especial é para o trabalho com a tensão lenta, principal estratégia da técnica, que, além de ampliar os recursos tônicos e expressivos, facilita o trânsito entre o material cênico e o trabalho somático. A questão da autonomia na relação com as técnicas e práticas somáticas é retomada, para concluir que esta é uma marca da RPD, reafirmando o seu potencial para gerar agência individual e coletiva, com forte aplicabilidade à investigação do corpo cênico.

Resumo em Francês:

RÉSUMÉ L’article traite de la contribution de la RPD-Réorganisation Posturale Dynamique au corps scénique, du point de vue des artistes de théâtre et de danse. L’étude développe une approche dialogique de cette technique somatique et montre comment, dans leur perception, les propositions sensorimotrices et affectives-cognitives favorisent le raffinement sensoriel, la présence scénique et l’activation des états de conscience. Un accent particulier est mis sur le travail avec la tension lente, stratégie principale de la technique qui, en plus d'élargir les ressources toniques et expressives, facilite l'interposition du matériel scénique avec le travail somatique. La question de l’autonomie dans la relation aux techniques et pratiques somatiques est revisitée, pour conclure qu’il s’agit d’une caractéristique du RPD, réaffirmant son potentiel à générer une action individuelle et collective, avec une forte applicabilité à l’investigation du corps scénique.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This article discusses the contribution of Dynamic Postural Reorganization (DPR) to the scenic body from the perspective of theater and dance artists. The study develops a dialogic approach to this somatic technique and shows how, in their perception, sensorimotor and affective-cognitive propositions promote sensory refinement, scenic presence, and the activation of states of awareness. Special emphasis is placed on the work with slow tension, the technique’s main strategy, which, in addition to expanding tonic and expressive resources, facilitates the transit between the scenic material and the somatic work. The issue of autonomy in the relationship with somatic techniques and practices is revisited to conclude that this is a hallmark of DPR, reaffirming its potential to generate individual and collective agency, with strong applicability to the investigation of the scenic body.

Resumo em Português:

RESUMO Este artigo é um diálogo reflexivo entre pessoas pesquisadoras de diversas instituições brasileiras, integrando ecoperformance e Somática na Prática Artística como Pesquisa. Um movimento vagal como escrita, a partir da contemplação do impulso generativo presente nas práticas ecoperformativas, desloca o grupo da imersão ambiental para a imersão textual. Os apoios atencionais - descanso somático, pausa dinâmica e contemplação tensional - sintonizam-se com os distintos contextos imersivos - performance geoecológica, ecoperformance virtual, encenação e notícias ecoperformativas. Há um convite ao campo da ecoperformance e Somática, para que a externalização escrita das pesquisas seja guiada pelos princípios mobilizadores da prática somático-performativa, numa ética ecocêntrica.

Resumo em Francês:

RÉSUMÉ Cet article est un dialogue réflexif entre des chercheuses de différentes institutions brésiliennes, intégrant l’écoperformances et les somatiques dans la Pratique Artistique en tant que Recherche. Un mouvement vagal ‘en tant qu’écriture, déclenchée à partir de la contemplation de l'impulsion générative présente dans les pratiques éco-performatives du groupe, déplaçant de l’immersion environnementale vers l’immersion textuelle. Les appuis attentionnels - repos somatique, pause dynamique et contemplation tonique - s’accordent avec des divers contextes immersifs - performance géo-écologique, écoperformance virtuelle, mise en scène et actualités éco performatives. Il y a une invitation au champ de l’éco-performance et des somatiques, pour que l'extériorisation écrite des recherches soit guidée par les principes mobilisateurs de la pratique somatico-performative, dans une éthique écocentrique.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This article is a reflective dialog between artists/educators/researchers from various Brazilian institutions integrating ecoperformances and Somatics in Artistic Practice as Research. A vagal movement as writing, based on the contemplation of the generative impulse present in ecoperformative practices, shifts the group from an environmental immersion to a textual immersion. The attentional supports - somatic rest, dynamic pause, and tensional contemplation - attune with diverse immersive contexts - geoecological performance, virtual ecoperformance, staging and ecoperformative news. There is a summoning to the field of ecoperformance and Somatics, so the research’s written outwarding is guided by the mobilizing principles of the somatic-performative practice, within an ecocentric ethics.